Das PapierTheater Nr. 39 – November 2014

Editorial

Liebe Leserinnen und Leser,

das 27. Preetzer Papiertheatertreffen ist vorüber. Dieses Jahr konnten wir wieder 4 Rezensenten gewinnen, die uns einen Über- und Einblick der 16 Stücke geben werden.

Sabine Herder berichtet vom 1. Papiertheatertreffen auf Schloss Burgau in Düren.

Viel Vergnügen bei der Lektüre!

(mf)

Festival

Preetz 2014:

Harmonie, Perfektion und 9:6

Ein Vorspann von Sabine Herder und Uwe Warrach

Die Professionalisierung schreitet voran, und hier und da hat sich das Papiertheater zur ernst zu nehmenden Kunst entwickelt. Auf einem Festival, das entspannt wirkte wie nie, hatte man zuweilen den Eindruck, einer perfekt organisierten Familienfeier beizuwohnen. Alle teilnehmenden Papiertheaterspieler waren mittlerweile „alte Hasen“ und so blieben die Überraschungen in diesem Jahr weit gehend aus. Neu waren: Marlis Sennewald, langjährige Kuratorin und Organisatorin des Festivals als Spielerin – bravo! und Narguess Majds erste eigene Papiertheaterproduktion – hier kann man nur ehrfürchtig den Hut ziehen. Eine Erkenntnis in diesem Jahr: Weniger ist – manchmal – mehr, aber ein guter Soundtrack hilft über viele Klippen hinweg und vermag die erzählerische Spannung zu halten und voranzutreiben.

Neun von fünfzehn Bühnen kamen diesmal aus Übersee, Großbritannien, Frankreich, Dänemark und Österreich, und indirekt war eine Königin zu Gast. Trotz veränderter äußerer Umstände im Schulgebäude klappte alles, namentlich dank der umsichtigen und wendigen Organisation seitens der VHS–Leitung mit ihrem wackeren Hausmeister und seinem tüchtigen Team.

Noch ein Extra-Dank gebührt auch dem Catering-Unternehmer, der wie in jedem Jahr nicht nur mit leckeren Speisen aufwartete, sondern auch mit stets guter Laune.  Wie üblich herrschte sommerliches Wetter, wie es dem Norden in diesem Jahr ausgiebig beschert wurde. Das Ganze wurde wie immer begleitet von Gesprächen, Begegnungen, alten und neuen Bekanntschaften und letztendlich – erster Vorfreude auf das nächste Jahr...

Im folgenden berichten Sabine Herder, Olaf Christensen, Jens Schröder und Uwe Warrach von ihren Eindrücken bei den einzelnen Aufführungen, geordnet nach dem Theaterzettel.

Little Blue Moon Theatre – Valerie und Michael Nelson, USA
A Japanese Ghost Story

Endlich ein Wiedersehen mit Valerie und Michael Nelson! Nicht, wie angekündigt mit den Canterbury Tales sondern mit einem kleinen aber feinen Werk aus ihrem Repertoire. Die „Japanese Ghost Story“ erzählt die Geschichte von Yamome, einem alternden Mann, der untröstlich ist, als seine junge Gefährtin unvermittelt stirbt. Untermalt mit ruhig plätschernder japanischer Musik, stimmen uns zunächst einige Landschaftsansichten auf die japanische Kultur der Edo-Zeit ein. Ein balzendes Kranichpaar weist uns zum Thema, eine saftige erotische Darstellung, ebenfalls der japanischen Farbholzschnitttradition des 18. Jahrhunderts entlehnt, erinnert uns daran, was wir vom „Little Blue Moon Theatre“ zu erwarten haben. Brav ist hier nichts! Yamome, dem nach einiger Zeit die Geliebte als Geist erscheint, die jede Nacht zufrieden gestellt werden möchte, schwinden schon bald die Kräfte. Auch endet der schöne Spuk immer vor Morgengrauen. Wenn er sie nun über den Tagesanbruch hinaus beschäftigen könnte – wäre sie dann für immer sein? Yamome sucht und findet eine Lösung: Bondage! Doch anders als erhofft, findet sich das Paar bei Tagesanbruch zwar vereint, jedoch nicht mehr am Leben.
Nelsons erzählen ihre Geschichte mit einfachsten Mitteln: wunderschönen Bildern, einer zarten, leisen, die Dramaturgie der Handlung untermalenden Musik, einem poetischen Erzähltext, der von Valerie Nelson mitreißend gelesen wurde und einer spanischen Wand, die nach und nach die Ereignisse der Nacht preisgibt. Einfach schön!

Sabine Herder

Was Valerie und Michael Nelson aus den USA mit ihrem Little Blue Moon Theatre auf die Bühne bringen, ist Papier gewordene Poesie im Bilderstil japanischer Holzschnitzkunst, die von den beiden in Figuren und Kulissen mit viel Liebe zum Detail adaptiert wurde.
Das Stück handelt von der Großen Liebe und endet - wie meistens - tragisch.
Doch zwischen Beginn und Ende dieser Geschichte, die von traditionellen japanischen Geistergeschichten inspiriert ist, erlebt der Zuschauer eben jene Poesie die dieses Stück ausmacht.
Der ältere Yamome heiratet erst in hohem Alter und erlebt sein Liebesglück mit einer wesentlich jüngeren Frau.
Der Akt körperlicher Liebe wird durch einen Paarungstanz zweier Kraniche versinnbildlich, deren Figurenführung einzigartig ist.
Doch tragischer weise stirbt seine junge Frau viel zu früh.
Die Liebe ist stärker als der Tod und so erscheint ihm jede Nacht der Geist seiner verstorbenen Frau Oyume.
Jeweils nur die Nacht bleibt dem Paar für Liebe und Leidenschaft.
Dann sinnt Yamome, seine Frau für immer an sich zu binden.
Der Plan gelingt, jedoch anders als von Yamome und vermutlich auch von den Zuschauern zunächst gedacht.
Das Stück lebt von den Bildern, ihrer räumlichen Tiefenwirkung und den zarten Bewegungen der Figuren in ihnen. Der wenige zum Verständnis notwendige Text wird von Valerie mit melodiöser Stimme vorgetragen, während sich Michael ganz auf das Figurenspiel konzentriert.
Ein solches Stück käme wohl auch gänzlich ohne Spezialeffekte aus und tatsächlich gehen die Nelsons eher sparsam damit um.
Bei der geisterhaften Erscheinung der Frau oder dem Überqueren einer langen Flussbrücke zeigt sich aber, dass der pointierte Einsatz nur weniger Effekte quasi wie das Salz in der Suppe ist.
Es war wieder eine "bildschöne" Aufführung, die eine erotische Geschichte erzählt, ohne über Andeutungen hinauszugehen.
Papiertheater vom Feinsten!

Olaf Christensen






Eulenspiegel Puppet Theatre – Monica Leo, USA
Play to Play (or Hold Your Puppet Up!)

Play to play – von Aufführung zu Aufführung – das könnte gut als gemeinsame Überschrift über einer Veranstaltung mit einem derart prall gefüllten Spielplan wie dem Preetzer Papiertheatertreffen stehen.
Hier allerdings stand der Titel für die Lebensgeschichte der durch die Schulen der USA reisenden Puppenspielerinnen. Man reiste über 30 Jahre von Stadt zu Stadt, von Schule zu Schule und eben von play zu play, um für Kindern zu spielen und mit ihnen Puppenspiel-Kurse durchzuführen. Diese sich ständig wiederholte Abfolge der Reise und die ständig wiederholte Aufforderung an die Kinder „hold your puppet up!“ – so der Untertitel des Stückes – drückt zwar eine gewisse Monotonie im Leben der Puppenspielerinnen aus; wenn aber dieses Leben nur annähernd so bunt war, wie das hier gezeigte Stück, dann finde ich es beneidenswert.
Monica Leo hat ihr autobiographisches und als Hommage an Ihre Partnerin Teri Jean Breitbach zu verstehendes Stück alternierend in zwei Sprachen angeboten. Ich habe eine deutschsprachige Aufführung erwischt und bin mir aber sicher, dass bei der Fülle der gebotenen visuellen Eindrücke auch die englische Version meine Begeisterung nicht hätte geringer ausfallen lassen.
Sechs Stationen des Puppenspielerlebens entfalteten sich aus einem großen Pop-up-Buch und boten eine Fülle an optischen Überraschungen, vor allem auch durch die Unmengen an zusätzlichen Ausstattungsteilen und Figuren, die Monica Leo für jede einzelne Szene angefertigt hatte.
Immer wieder kommen Diskussionen auf, ob eine Aufführung Papiertheater ist oder nicht. Bei der hier gesehenen Aufführung stellt sich aus meiner Sicht diese Frage nicht. Ein Beitrag zur dieser Diskussion kann aber sein, dass eine Papiertheateraufführung wie diese von Monica Leo, die den Rahmen des üblichen kleinen und für manche als ein entscheidendes Kriterium genannten papierenden Proszeniums verlässt, für die Augen des Betrachters in der Kette von dreizehn Preetzer Aufführungen an drei Tagen eine sehr entspannende, entlastende und willkommene Abwechslung darstellt.
Danke, dass wir an dieser bunten Lebensgeschichte teilhaben durften.

Jens Schröder






Paperplay Theatre – Joe Gladwin, Großbritannien
Frankenstein lives!

Zu Beginn der Vorstellung betrat ein unheimlicher Geselle mit breitkrempigem Hut, Umhang und Laterne den Theaterraum. Joe Gladwin präsentierte sich in dieser Verkleidung als Sohn des legendären Dr. Frankenstein. Der Vorhang des Papiertheaters öffnete sich, und eben jener unheimliche Geselle mit Hut und Umhang war als Papierfigur zu sehen und die unheilvolle Handlung nahm ihren Lauf. Ich muss zugeben, dass sich mir dieser Wechsel von der realen zur papierenen Figur erst am Ende der Aufführung erschlossen hat, wenn auf der nun dekorationslosen Bühne Frankensteins Sohn im Outfit des Anfangs, nun ergänzt durch einen Regeschirm, verbleibt und Joe Gladwin in gleicher Verkleidung, nun auch mit Schirm, den Raum verlässt und verschwindet. Glücklicherweise lockt der aufbrandende, verdiente Applaus Joe Gladwin zurück.
Zwischen Auf- und Abtritt lag eine sehenswerte Aufführung, bei der Gladwin wieder einmal in gewohnter und langjährig bekannter Weise virtuos hinter seinem Theater agierte und artikulierte.
Das Theater, in dem sich die Geschichte um den Sohn Frankensteins, der sich „Herr Schmidt“ nennt und nun auf Schloss Karloff die Experimente seines Erzeugers wieder aufnehmen will, vollzog, war eine Augenweide. Ein Theater in der typisch englischen Bauweise, aber komplett in Gold gehalten mit reliefartigen Strukturen, die sich bei späterem näheren Hinsehen als mit der Heißklebepistole gezogene Linien entpuppten – sehr effektvoll. Der Grundbau des Bühnenbildes bestand aus mehreren in der Tiefe gestaffelten Bögen mit ähnlicher Struktur, aber dunklerer Farbgebung; einen passenderen Rahmen hätte man sich für diese Geschichte kaum vorstellen können.

Im gelungenen wirkungsvollen Kontrast dazu standen die vielen von Joe Gladwin selbst gezeichneten farbigen Kulissenteile und Versatzstücke der einzelnen Szenen sowie die Figuren. Erwähnenswert auch die vielen in das Stück eingebauten „Papiertheater-Tricks“ – besonders begeisterte mich die Gelungene Darstellung der Übergabe eines Briefes von Gräfin Karloff an ihre Zofe „Frau Preetz“.
Der herrliche optische Eindruck ergab in Verbindung mit dem intelligenten Text und der Gladwin eigenen Sprachgestaltung ein wunderbar schaurig-schönes Theatererlebnis.

Jens Schröder





Robert Poulter’s New Model Theatre – Robert Poulter, Großbritannien
THE MUMMY’S cheap day RETURN

Absurd, skurril, grotesk - diese Vokabeln beschreiben äußerlich, was sich da auf Robert Poulter's New Model Theatre-Bühne an Geschichte entspinnt.
Schon den Inhalt wiederzugeben fällt entsprechend schwer.
Grob gesagt geht es um die Pharao-Mumien des British Museums, die sich vor einer Übernahme "ihres" Museums durch ihre Erzfeindin Madame Loos Lee fürchten.
Wie in "The Mummy's Purse" soll Hilfe aus der Unterwelt von Yummy Mummy kommen.
Auch Inspector Wainscoat ist wieder mit von der Partie, als die wilde Jagd auf die "Meisterverbrecherin" durch das alte London ihren Lauf nimmt.
Robert Poulter spart an deftigem Wortwitz genauso wenig wie an den kräftigen Pinselstrichen, mit denen er seine Figuren und Kulissen selbst zeichnet und lebendig werden lässt.
Begleitet von einem stimmigen Soundtrack und Musik schafft Robert es bei fliegendem Kulissenwechsel, seine Figuren in bildgewaltigen Szenen auftreten zu lassen, in denen er auch nicht mit funktionierenden Fahrstühlen, rasanten Jagdszenen im Hafen und andern bewegten Effekten geizt.
Zusätzlich schafft er es, durch sein Spiel mit der Perspektive seiner kleinen Bühne eine Dreidimensionalität zu verleihen, die einen mehr als einmal in den zehn Szenen in ihren Bann schlägt.
Badende Mumien, eine Terrakotta-Armee aus Blumentöpfen und die Londoner Feuerwehr stilecht mit Dennis-Löschfahrzeug bei der Brandbekämpfung eines chinesischen Drachen gehören ebenso zu dem Stück wie der Auftritt der Göttin Ipet, der "Nilpferdgöttin", mit dem Robert seine fundierten Geschichtskenntnisse unter Beweis stellt (die Göttin gab es im Alten Reich Ägyptens tatsächlich).
Sie ist es auch, die Madame Loos Lee - zumindest für dieses Stück - endgültig in die Flucht schlägt.
Auch für Yummy Mummy wird es nun am Ende des Stücks im wahrsten Sinne des Wortes "Höchste Eisenbahn", denn ihr 24-Stunden-Billig-Ticket läuft ab…
Ein verdienter und sehr langer Schlussapplaus beendete dann Roberts 39. Stück.

Olaf Christensen




Sarah’s Paper Theatre – Sarah Peasgood, Großbritannien
The Wild Swans

Sarah Peasgood ist flügge geworden. Nach ihren Papiertheateradaptionen amerikanischer Comic Strips, hat sie sich diesmal ein klassisches Andersen-Märchen ausgesucht und dessen Ausstattung vollständig selbst entworfen. Angeregt von den Bühnenbildern des russischen Avantgardekünstlers Iwan Bilikin, entstanden zarte, poetische Dekorationen und Figuren, die in ihrer stilisierten „Volkstümlichkeit“ gut zur Illustration eines Märchens passen. Auch sie setzt konsequent auf einen begleitenden Soundtrack – in diesem Fall die Musik des deutschen Komponisten Max Richter. Dass Sarah Peasgood alleine spielt und live dazu spricht, verdient Bewunderung. Erleichtert wurde ihr das unter anderem durch die Bühnentechnik, die den Bühnenprospekt durch eine neuartige, in unterschiedlichen Tönen glühende Lichtbox ersetzte, wie wir sie sicher künftig öfter sehen werden. Der Theaterzettel verrät, dass in der Familie Peasgood offenbar die Papiertheatertradition nicht nur von Sarah weitergeführt wird: William, der jüngste Spross der Familie, baute Bühnentechnik und Lichtanlage. Wir hoffen auf mehr!

Sabine Herder




Papierthéâtre – Narguess Majd, Alain Lecucq, Frankreich
Black or White

Es war die größte Bühne des diesjährigen Festivals. Im ohnehin schon großräumigen „Speicher“ nahm sie fast die gesamte Breite des Raumes ein und wirkte in ihrem dröhnenden Schwarz mit der eigenartig geformten, kleinen Bühnenöffnung beinahe einschüchternd. Das „Papierthéâtre“, wartete, trotz gewohnter Besetzung, in diesem Jahr mit einer Neuerung auf: Erstmals präsentierte Narguess Majd in Preetz ein eigenes Stück. Alain Lecucq, ihr einstiger Lehrer, begab sich für diese Produktion in die zweite Reihe.
„Black or White“ erzählt in sieben gleichnishaften Episoden vom Abschied eines Jungen von seinem sterbenden Großvater. Irgendwann dämmert dem Betrachter, dass diese, sich immer weiter öffnende Bühne ein Auge ist, das Auge des Jungen, der von seinem Großvater noch einige Lehren mit auf seinen Lebensweg bekommt. Mit seiner wachsenden Erkenntnis weitet sich sein Blick auf die Welt, an dem wir aus der Loge hinter seiner Stirn teilhaben dürfen. Narguess Majd entführt uns mit Ihren berauschend schönen Bildern, die, stark stilisiert und in zarten Farben, an die Hochblüte des Jugendstils erinnern, in die Vorstellungswelt eines Kindes. Hier gibt es noch Wunder, Märchenmotive und Fleisch gewordene Allegorien. Die Wirklichkeit ist noch von der Vorstellungswelt überlagert, die Wahrnehmung wird von Erwartungen beeinflusst. Dies zu entwirren, überfordert den Jungen; aber, wenn wir uns die Lehre des Großvaters zueigen machen: Geht es uns Erwachsenen nicht auch oft so?
„Black or White“ ist Papiertheater der Profiliga, weit jenseits der oft augenzwinkernden Toleranz, mit der wir den einen oder anderen Schnitzer zu verzeihen bereit sind. Eine Geschichte mit Anspruch, großartig vorgetragen und fulminant präsentiert. Diese Bühne war nicht nur die größte, sie war auch die schönste dieses Festivals!

Sabine Herder





Théâtre de Table – Eric Poirier, Frankreich, Marlis Sennewald, Hamburg
Willibald. Balèze

Das „Herz“ des Festivals als Debütantin. Wenn das mal keine Nachricht ist! Eric Poirier hat sich Hilfe gesucht und ist bei Marlis Sennewald fündig geworden. In monatelanger Vorarbeit in Frankreich und Schönberg entstand das Spiel nach einem Kinderbuch. Das „Théâtre de Table“ fand diesmal nicht auf dem Tisch statt, sondern auf einem „richtigen“ Theater. Und was für einem! Wenn Eric Poirier schon nicht jedes ihn umgebende Möbelstück bespielen kann, muss sein Proszenium doch wenigstens vier Spielebenen haben. Und selbst da kann man noch etwas dran bauen.
Das Spiel erzählt von Mäuserich Willibald, der die von ihm selbst geschürte Angst der Mäusegemeinschaft vor der Katze nutzt, um ein diktatorisches Regime aufzubauen. Wie sich die Mäusebande zunächst allen Schneid, dann die Freiheit und schließlich den Spaß abkaufen lässt, ist ein Lehrstück darüber, wie die Mechanismen totalitärer Systeme arbeiten. Die wunderbar schrägen Figuren aus der Feder von Christiane Comtat machen das ursprünglich zahm illustrierte Kinderbuch auf der Bühne zur Augenweide, bizarre Regieeinfälle zu einem Spaß für große und kleine Zuschauer. Marlis Sennewald leiht mit viel Charme und bezaubernder Keckheit ihre Stimme Lilly, der in die Bibliothek verbannten Mäusedame, die am Ende ihre Mitmäuse wieder zur Vernunft bringen kann. Eric Poirier tut es gut, sich an einen festgelegten Spieltext halten zu müssen, statt zu improvisieren. Es nimmt seinem Spiel zwar nicht die Rasanz, aber die sonst oft vorhandene Atemlosigkeit, der man in den vergangnen Jahren manchmal nur schwer folgen konnte. Dieses Team hat Zukunft!

Sabine Herder


Eine lustige Mäusegeschichte und zugleich eine Parabel über politische Gewaltherrschaft. Wie das geht? So:
Mäuserich Willibald schwingt sich zum Chef der Mäusegesellschaft auf, die in einer Menschenvilla lebt, irgendwo unten, wie das untere Bühnenfenster verdeutlicht. Oben tanzen die Mäuse nur, wenn die Menschen nicht zu Hause sind, die auch wir aus der Mäuseperspektive wahrnehmen, als Beine mit Puschen dran.
Mittels einer maßlos überzogenen Katzenphobie erzeugt Willibald ein Klima der Angst und schwingt sich zum Führer auf. Das normale Leben, das sich Mäuse ebenso wie Menschen wünschen, wird durch Aufmärsche, Manöver und Kampfdrill ersetzt. „Ein Haus – eine Familie – ein Chef!“ lautet die Parole, in der wir etwas wieder erkennen. Albino- Maus Lilli mit Fehlfarben und eigener Meinung wird selektiert und in die unfressbare Bibliothek gesperrt. Dort aber lernt sie Lesen und Denken, durchschaut die Tücken der Mausefallen und des Herrschaftsapparats und führt ihre Freunde in die Freiheit.
Eric Poirier hat aus dem Kinderbuch von Willi Fährmann ein Lehrstück über die Entstehung von Tyrannei gemacht, ohne Kindern die Freude an der Kerngeschichte über eine kecke Mausbande zu nehmen und den Erwachsenen die Möglichkeit zur tieferen Einsicht, auch dank Marlis Sennewalds Übersetzung. Beide (!) sprechen live und heizen den von Eric treffend gestalteten Figuren mit Ecken und Kanten mauseschnelles, Schweiß treibendes Leben ein, mit viel action sind hinter, neben und vor der Bühne. 

Uwe Warrach












Wiener Papiertheater – Kamilla und Gert Strauss, Österreich
Mondrevue

Die Ankündigung einer Revue – da erwartet der Zuschauer optisch Opulenz, phantastische Bühnenbilder, herrlichste Kostüme, Scharen von Tänzern und Sängern. Und wenn dann diese Revue-Ankündigung vom Wiener Papiertheater kommt, dann ergibt sich in Verbindung mit der Erinnerung um die Aufführungen der Vorjahre und dem Wissen um die einzigartigen technischen Möglichkeiten dieser Bühne eine besondere Erwartungshaltung.
Diese Erwartungshaltung, soviel gleich vorweg, wurde nicht enttäuscht. Frei nach Motiven der Operette „Frau Luna“ erlebten wir den bekannten und berühmten dänischen Papiertheater-Star Peder Most in der Rolle des Fritz Steppke, der mit seinen Berliner Kumpels in einem selbst konstruierten Fluggerät eine Reise zum Mond plant. Wir erleben ihn in seiner von der Witwe Pusebach angemieteten Mansarde, von der aus er dann tatsächlich seine Reise startet: Ziel sind die bekannten „Schlösser, die im Monde liegen“. Der Mondflug, an dem sich in letzter Sekunde auch Steppkes Vermieterin beteiligt, vollzog sich in spektakulärer Weise vor einem hier nicht horizontal sondern vertikal angeordneten Wandelpanorama.
Die „Berliner Luft“ wird mit zunehmender Flughöhe dünner, und nach glücklicher Landung, bei der allerdings das Fluggerät der Raumfahrer Schaden nimmt, staunt Vermieterin Pusebach nicht schlecht: Sie trifft Herrn Theophil wieder, der vor gar nicht langer Zeit eine Reise zur Erde unternommen und dabei Frau Pusebach den Hof gemacht hat. Auf dem Mond ist dieser Theophil allerdings mit der Kammerzofe der dortigen Chefin Frau Luna liiert. Auf dem Mond geht es lustig zu -  die Besucher und die Mondbewohner – unter Ihnen der Frau Luna verehrende und begehrende Prinz Sternschuppe und eben diese Frau Luna höchstselbst, die allerdings nur Augen für Herrn Steppke hat, singen, tanzen und feiern, dass es eine Freude ist, ihnen dabei zuzusehen.
Der eine oder andere mag vielleicht anmerken, dass die Zeit bis zur glücklichen Rückkehr der Mondbesucher mit dem Spährenmobil von Prinz Sternschnuppe um das eine oder andere Couplet hätte verkürzt werden können – ich habe aber dieses intergalaktische Vergnügen im vollen Umfang genossen.

Jens Schröder




Svalegangens Dukketeater – Per Brink Abrahamsen & Sören Mortensen, Dänemark
Comedy in Florence

Florentinische Kirchen, Paläste und Gassen im Licht des Südens, künstlerisch überzeugend gestaltet von der Bühnenmalerin Königin Margarethe II von Dänemark. Laute und Trommel stimmen auf das 13. Jahrhundert ein. Schweres Gewitter in Meeresnähe sorgt für Dramatik am Beginn, doch fällt der Spannungsbogen danach rasch ab.
Die Erwartungen auf das Spiel sind hoch, angesichts des Programmzettels, der „königlichen Glanz“ von Bühne und Stimme verheißt. Die aparten pastellfarbenen und dabei ausdrucksstarken Figurinen vollenden das schöne Bühnenbild, indessen bewegen sie sich langsam, bis zum Stillstand, verharren lange vor Mauern, in Gassen und in einer düsternen Taverne, zu andauernden Mono- und Dialogen verurteilt - auf Dänisch. Da diese Passagen zumindest gefühlt vier Fünftel der nahezu einstündigen Aufführung ausmachen, der englische Rest sich überdies mit dem dänischen teilweise überlappt, kann man nur ahnen, welcher Plot einem da entging. Schade.

Uwe Warrach



Haases Papiertheater – Sieglinde und Martin Haase, Remscheid
Eine Stunde mehr

Wer will das nicht: dem voll gestopften Alltag hier und da „eine Stunde mehr“ abringen, um sich den schönen Dingen des Lebens zuwenden zu können? So auch der junge Redakteur Schreiber, der über einen Großeinsatz der Feuerwehr berichten soll und, von schlechtem Gewissen geplagt, der Verabredung mit seiner Freundin Trudi fernbleiben muss. Was er allerdings am Ort des explodierten Labors erlebt, ist eine furiose Science-Fiction-Achterbahnfahrt. Da behauptet doch tatsächlich Professor Oehmigke, der Verursacher des Unglücks, eine Zeitmaschine erfunden zu haben! Schreiber glaubt natürlich kein Wort, lässt sich aber auf eine Verabredung am kommenden Tag ein und muss sich eines Besseren belehren lassen. Tatsächlich steht die Zeit still und Schreiber sieht sich mit der Möglichkeit konfrontiert, unbemerkt den Tresor einer Bank leer zu räumen. Leider vergaß Professor Oehmigke aber, seinen Schützling darauf hinzuweisen, dass seine Erfindung nicht ganz ausgereift ist. Nach einigem Hin und Her landen sie schließlich glücklich wieder in der Gegenwart, wo Schreiber zu dem Schluss kommt, dass eine so unglaubwürdige Geschichte seinen Lesern allenfalls in Form eines Papiertheaterstücks zu vermitteln sei. Am Ende ist alles gut und Schreiber und Trudi spazieren in den Sonnenuntergang. Nach und nach leuchten die Sterne auf und zuletzt eine Straßenlaterne.
Wer auf einen „Fernsehabend“ hoffte wie im vergangenen Jahr, sah sich zunächst enttäuscht. Haases präsentierten ihr neuestes Werk umrahmt vom altbekannten Urania-Proszenium aus der m&n Reprise. Doch kaum hatte sich der Vorhang gehoben, zeigte er sich wieder: der Haase-Zauber. Und während man noch das schöne Interieur bestaunt und schmunzelnd im Chefredakteur Martin Haase selbst erkennt, fragt man sich angesichts des eifrig tippenden Reporters Schreiber: Wie hat er denn das schon wieder gemacht? Haases spielen auch in diesem Jahr fröhlich auf der Klaviatur unserer kollektiven Medienerinnerung und bedienen das alte Cineastenspiel „wer erkennt die meisten Zitate?“. Sie sollten demnächst einen Preis für die richtige Lösung ausloben. Schön, auch hier ein längst vergessenes Schätzchen des sechziger Jahre Fernsehens wieder zu entdecken! In diesem Fall gepaart mit einer weiteren Haase-Spezialität: dem Spiel mit optischen Tricks. Auch wenn sich inzwischen ein Haase-Stil mit wieder erkennbaren Merkmalen herausgebildet hat: Diese technische Raffinesse, die überraschenden Perspektivenwechsel, der filmische Blick. Das muss ihnen erst einmal jemand nachmachen!

Sabine Herder





Muthesius Kunsthochschule – Prof.Dr. Ludwig Fromm, Martin Witzel und Studenten, Kiel
Fischgericht – eine tiefgründige Erzählung

Bei der traditionellen Eröffnungsveranstaltung in der Mehrzweckhalle konnte ich bereits einen Blick in die nicht durch einen Vorhang versperrte Bühne werfen, die wieder von den Studierenden der Muthesius Kunsthochschule Kiel unter Leitung von Prof. Dr. Ludwig Fromm gestaltet wurde, und ich erblickte eine viel versprechende Drehbühne. Bei der späteren Aufführung war ich dann etwas enttäuscht darüber, dass diese Drehbühne lediglich für eine einzige 180�-Drehung eines darauf platzierten Bühnenelementes genutzt wurde.

Auch sonst spielte sich das Geschehen – anders als in den Vorjahren – in einem einzigen Bühnenbild ab. Dieses Bühnenbild wurde anfangs noch teilweise von einer Projektionsfläche verdeckt, auf der man im Film einen Fischer bei seiner namensgebenden Tätigkeit beobachten konnte. Galt es doch, den Hunger seiner Frau auf Makrelen zu stillen. Diese Vor-Handlung bestätigte meine Vermutung, dass es sich bei dem Titel „Fischgericht“ wohl um etwas essbares handeln würde, dann aber wurde der Fischer in die Tiefen des Meeres hinab gerissen und musste sich vor einem Gericht aus Fischen für seine Ermordung von deren Artgenossen verantworten; auf diese Deutung des Titel wäre ich nie gekommen! 
Dieser Fischgerichtshof unter Wasser war – wie schon erwähnt – der einzige Ort des Geschehens. In dieser Aufführung vermittelte sich der Inhalt weniger visuell als tatsächlich durch gesprochenen Text; die auf dem tiefen Meeresgrund stattfindende Gerichtsverhandlung war tatsächlich – im wahrsten Sinne des Wortes – eine tiefgründige Erzählung. Tauchten in den Inszenierungen der Vorjahre Texte nur als in die Bühne hineingehaltene Texttafeln, Sprechblasen oder in Form einzelner projizierter Sätze oder Wörter auf, so wurde dieses Mal die Geschichte explizit erzählt.
Auch wenn es bei einer so konkret verbal präsentierten Handlung weniger Spielraum für eigene  Assoziationen gab als bei den Aufführungen der Vorjahre – mir hat es sehr gut gefallen und ich bin, wie immer, gespannt auf das nächste Jahr!

Jens Schröder





Papieroper am Sachsenwald – Uwe Warrach, Reinbek
Moin Moin, Herr Hofrat

Schon der Titel und die Anrede machen deutlich: hier stimmt etwas nicht!
Dieses Gefühl beschleicht auch den Papiertheaterspieler Dr. Kuno Eulenfater und seine Tochter, als sie unterwegs zum Internationalen Papiertheatertreffen in Preetz  vom Weg abkommen.
Unversehens befinden sie sich im „Weißen Schwan“ im thüringischen Weimar und treffen dort auf zwei Herren, die Goethe und Schiller aufs Haar ähneln.
Was dann folgt ist eine bisweilen in Mundart vorgetragene Diskussion zwischen den drei Hauptdarstellern, in der sich „altes“ Deutsch der Goethe/Schiller-Zeit mit Anglizismen von heute mischt.
Das Gespräch dreht sich u. a. auch um die Geschichte des Papiertheaters, die man sozusagen nebenbei erzählt bekommt.
Das Ganze findet in besagter Gaststube statt, in der es ein gemütliches Kaminfeuer durch eine Flackerglühlampe als Sondereffekt gibt.
Und wo wir gerade bei Sondereffekten sind:
Das Stück lebt von der Nachvollziehbarkeit der Diskussion, und Uwe Warrach von der „Papieroper am Sachsenwald“ versteht es, die Hörspielgrundlage gekonnt mit den Bewegungen der Figuren zu synchronisieren.
Da während des Stücks von den drei Herren dem Wein reichlich zugesprochen wird, nimmt es nicht wunder, dass die Figuren beweglich gestaltet sind und die Weinzufuhr höchst lebendig und nachvollziehbar gestaltet wurde.
Doch auch die Tochter des Spielers spielt durchaus eine Rolle:
Die mischt während des Männergesprächs derweil den Ballsaal nebenan mittels Gettho-Blaster und Rockmusik auf.
Und während der Zuschauer akustisch an der Rockmusik teilhat, wird ihm das Geschehen im Inneren des Saales mittels Schattenspiel nahe gebracht.
So kommen letztlich Auge und Ohr auf ihre Kosten, auch wenn das Stück für sich auch als Hörspiel durchgehen könnte.
Insgesamt 30 Minuten Papiertheater, bei dem vor allem Freunde des geschliffenen Textes und fein gedrechselten Wortwitzes auf ihre Kosten kommen.

Olaf Christensen





Théâtre Mont d’Hiver – Birthe und Sascha Thiel, Saarbrücken
Frösche küsst man nicht

.. sondern man isst sie - entweder, weil man sie beim Betreten der „Alten Schneiderei“ von Birthe und Sascha Thiel in Fruchtgummi-Form überreicht bekommt oder aber, weil man verarmt in einem Schloss lebt und die Schenkel der im Schlossteich lebenden Frösche die einzige noch finanzierbare Nahrungsquelle darstellen.
So ging es der ehemals hochherrschaftlichen Familie in dieser originellen Froschkönig-Version. Wir befinden und in einem sehr verarmten Königreich, in dem es der herrschenden Familie nicht besser geht als seinen Untergebenen – der König und seine beiden Töchter sind auch arm. Zur Schlossbesatzung gehört noch die Haushälterin, die im sich im Laufe der Jahre erstaunliche Fähigkeiten im Froschfang angeeignet hat.
Das Dilemma der Schlossbewohner, deren Papiertheaterfiguren übrigens wieder alle Gesichtszüge der Reimers’schen Familie trugen, könnte sich lösen lassen, wenn Tochter Rosa den ungeliebten Prinz des reichen Nachbarn heiraten würde; dieser ist aber weder kunstinteressiert, noch teilt er die Vorliebe der Prinzessin für „Wer wird Millionär“ – dies ist die wichtigste Voraussetzung für die Eignung als Ehegatte. In einem der Frösche findet Rosa alternativ den geeigneten Lebenspartner- nur ein Kuss, und schon wird aus ihm ein netter Quiz-Show-liebender Prinz…
Doch so einfach ist das nicht. In dieser mit sehr passend zur Handlung ausgewählten Musikstücken ergänzten Geschichte gab es noch diverse Komplikation auf dem Weg zum Happy-End.
Eine besondere Freude ist es, den beiden Spielern bei ihrer Tätigkeit zusehen zu dürfen. Die Art und Weise, wie sie miteinander spielen und über ihr Theater hinweg miteinander kommunizieren, ist sehenswert. Hier wird spürbar, dass die beiden jederzeit bereit wären, Ihrem Partner beim Schauen der bereits erwähnten Quiz-Sendung Gesellschaft zu leisten… Es bleibt zu hoffen, dass die Beiden nicht auf die Idee kommen, ihre Bühnen um einen frontalen Vorhang, hinter dem die Spieler verschwinden, zu erweitern, es würde viel verloren gehen.
Über ein Wiedersehen mit den beiden Saarländern in der „Alten Schneiderei, die sich übrigens fast schon auf Grund der besonders Papiertheater-geeigneten Wohnzimmeratmosphäre zu meiner Lieblingsspielstätte in Preetz entwickelt hat, würde ich mich sehr freuen.

Jens Schröder





Don Giovanni, Käthchen & Co. – Peter Schauerte-Lüke, Marie-Sophie Caspar, Köln
Schubert Lieder: Die Bürgschaft – Der Erlkönig – Der Fischer

Ich wollte damit den langen Sonnabend ausklingen lassen und wurde sehr belohnt. Peter Schauerte-Lüke zeigt uns, dass Balladen des 18. Jahrhunderts nie alt werden müssen, wenn man sie richtig vorträgt, will sagen: sie ernst nimmt in ihrer Tiefe und der seinerzeitigen Botschaft, erhöht durch Schuberts Melodien.
Drei Klassiker, die vielleicht den einen oder anderen zu Schulzeiten quälten oder, namentlich bei Schillern, zu Verbalhornisierungen Zuflucht suchen ließen, kommen uns hier als dramatische Erzählungen. Erstaunlich, wie das geht. Peter Schauerte-Lüke und seine Partnerin Ulrike Jöris-Pitschmann singen live zu den adäquat gestalteten Bühnenbildern; besonders reizvoll fand ich den Wechselgesang, der einem selten geboten wird. Originell auch der Umzug  von der relativ großen Bühne zu einer normalformatigen, auf der „Der Fischer“ stattfand.
Der Abend war erfüllt und die mitgebrachte innere Unruhe vom Tage gestillt.

Uwe Warrach





Hellriegels Junior – Gerlinde Holland, Willem Klemmer, Kiel
Die Glocke von grünem Erz

Nun wissen wir, wo die russischen Schlittenglöckchen herkommen. Von einer großen Glocke nämlich, die ein Bauer beim Pflügen fand und die seinem Dorf Freude und Glück brachte, zunächst wenigstens. Der sich verbreitende Ruhm dieser Glocke und der Glaube, sie sei ein Geschenk Gottes, riefen indessen die Neider auf den Plan. Der schlimmste und leider auch mächtigste von ihnen war der Zar: Die Glocke mit ihren magischen Kräften musste sein werden. Doch ließ sie sich wunderbarerweise nicht abtransportieren. So befahl der Herrscher, sie zu zerschlagen. Nun waren alle traurig, und der Bauer beschloss, die Scherben wenigstens dem Acker zurückzugeben, wo er die vermeintlich himmlische Glocke gefunden hatte. Doch ein zweites Wunder verwandelte die Bruchstücke in lauter kleine Glocken, und die  - siehe oben.
Kulissen und Figuren hat der jüngste Preetzer Spieler diesmal allein gestaltet, in Pastellfarben mit Buntstiften. Die Geräusche kommen von Töpfen und anderen alltäglichen, umfunktionierten Gerätschaften, ebenso live wie die Stimmen von Großmutter und Enkel, dies alles kindgerecht gestaltet, aber mit einem Schuss Lebensweisheit für das überwiegend erwachsene Publikum.

Uwe Warrach

Papiertheatertreffen

1. Papiertheatertreffen auf Schloss Burgau in Düren

von Sabine Herder

                        schloss burgau Und wieder ein neues Papiertheaterfestival! Diesmal in Düren, der für Papierherstellung und –kunst bekannten Stadt zwischen Aachen und Köln. Am 8. und 9. November lud Pit Goertz, ein ortsansässiger Papierkünstler, zum 1. Papiertheatertreffen in das idyllisch gelegene Schloss Burgau.

Die Papierkunst wird in Düren seit langem systematisch gepflegt und gefördert und so wundert es kaum, dass hier Pappmaché- und Scherenschnittkünstler die örtliche Kunstszene bereichern. In diesem Kreis begann man vor einiger Zeit, aus Papierinstallationen kleine Performances zu entwickeln. Die Künstler suchten Gleichgesinnte, stießen im benachbarten Köln auf das „Kölner Kästchentreffen“ und entsandten schließlich einen Scout nach Preetz. Mit den Erkenntnissen aus dieser Recherche wagten sie den Schritt zur Festivalgründung.

Eingeladen waren das „Kölner Kästchentreffen“ mit seinem Programm „Vom Reisen und Träumen“ (siehe Webzeitung Nr. 33/November 2013, Printausgabe Nr. 15/Dezember 2013), „Haases Papiertheater“ mit „Vom Zauber des Rheins“ (siehe Webzeitung Nr. 29/November 2012, Printausgabe Nr. 13/ Dezember 2012), „Das Papiertheater“ aus Nürnberg mit „Verflixt und zugenäht“ und Sarah Schiffer mit „The Death and The Lady“ und „The Two Magicians“. Das Programm spiegelt die nicht ausdrücklich benannte Ausrichtung des Festivals. Hier ist das historische Papiertheater eher die Ausnahme als die Regel und das künstlerische, offene Spiel gefragt.

Die Textilkünstlerin Susanne Winter und der Bildhauer Johannes Volkmann bilden „Das Papiertheater“ und präsentierten mit „Verflixt und zugenäht“ ein Stück für Menschen ab 4 Jahren. Die Bühne, eine übermannshohe weiße Papierwand, wurde nach und nach mit Schere, Nadel und verschiedenfarbigen Fäden bearbeitet. Objekttheater, Clownerie, Pantomime, Schatten und Projektionen formten ein magisches Theaterereignis, das selbst die kleinsten unter den Zuschauern vierzig Minuten lang in seinen Bann zu schlagen wusste. Auf Festivals international gezeigt, kommt das Stück eigentlich ohne Worte aus. In der deutschen Fassung wurde die Aufführung mit viel Witz durch Wortspiele und Redensarten rund um das Thema Nähen begleitet und bot damit auch dem erwachsenen Publikum ein Extravergnügen. Herzlicher Applaus aus dem ausverkauften Ratssaal belohnte die Spieler und ihre aus dem Publikum rekrutierte kleine „Assistentin“. Die angekündigte 18-Uhr-Vorstellung musste mangels Publikum leider ausfallen. Der Termin war für eine Kindervorstellung wohl zu spät.

„The Death and the Lady“ und „The Two Magicians“ sind das erste Papiertheaterstück der Scherenschnittkünstlerin Sarah Schiffer. Die schaurig-schönen englischen Volksballaden aus der Sammlung Francis J. Childs fanden im Gewölbekeller des Schlosses einen adäquaten Aufführungsort. Eingestimmt durch ein „Frühlingslied“, ließ Sarah Schiffer zunächst auf einer offenen Bühne eine Dame dem leibhaftigen Tod begegnen. Unheimliche, bewegliche Figuren illustrierten diesen Totentanz, in dem die Dame zur Einsicht gelangte, dass alles Gold und schöne Kleider sie nicht vor dem Unausweichlichen bewahren konnten. In der zweiten Ballade begehrt ein Zauberer eine Zauberin und will sie unterwerfen. Sie flüchtet in Verwandlungen, doch der Zauberer folgt ihr jeweils in der Rolle des Jägers. Als Bühne diente eine Metallplatte, die durch verschiedene Metallzylinder und –kugeln gegliedert war. Schreiber-, Scholz- und Jacobsen-Figuren, nach Bekenntnis der Künstlerin in Preetz aus der Grabbelkiste erworben, repräsentierten Zauber und Zauberin und wurden bei den Verwandlungen mit bizarren, witzigen Papiercollagen überformt. Am Ende stand die ganze Bühne voller Figurenpaare, die finale Szene, in der die Gejagte zur Jägerin wurde, unmittelbar an der Rampe. Ein schönes Bild! Sarah Schiffer gab mit viel Charme, Witz und Herzblut die Bänkelsängerin. Begleitet wurde sie auf der Gitarre von Peter Bernhards, der bei der zweiten Ballade auch den männlichen Gesangspart übernahm.

Schade nur, dass es durch die ungünstige Spielplangestaltung nicht möglich war, alle Stücke zu sehen! Das „Kölner Kästchentreffen“ trat am Samstagabend auf. Die übrigen Vorstellungen am Sonntag liefen parallel, so dass ein gegenseitiger Besuch durch die Spieler nicht möglich war. Die fast zweistündige Pause zwischen den Vorstellungen hätte sinnvoller genutzt werden können. Ein „Treffen“, wie der Titel der Veranstaltung suggeriert, war dieses Festival daher leider nicht. Bei den Dürener Bürgern, die zahlreich zu einzelnen Vorstellungen erschienen, kam das Angebot jedoch gut an.

Aber es war ja nur das erste von hoffentlich zahlreichen weiteren Papiertheatertreffen in Düren! Ein großartiger Rahmen, viel Enthusiasmus bei den Organisatoren, gut besuchte Vorstellungen, ein städtisches Kulturamt und die örtliche Stadtsparkasse, die das Projekt finanziell unterstützen – die Voraussetzungen, dass sich dieses Festival in der Zukunft etablieren kann, sind gegeben. Wir hoffen auf ein Wiedersehen!

Sarah Schiffer: The Two Magicians - hummel


Sarah Schiffer: The Two Magicians - fliege und spinne


Sarah Schiffer: The Two Magicians - Maiskorn und Vogel


Torbogen Schloss Burgau