Das PapierTheater Nr. 24 – Oktober 2011

Editorial

Liebe Leserinnen und Leser,

das 24. Preetzer Papiertheatertreffen ist vorüber. Dieses Jahr konnten wir 6 Rezensenten gewinnen. Damit konnte nicht nur jedes Stück des Papiertheatertreffens gewürdigt werden, für mehrere Stücke kann damit der Eindruck von mehreren Blickwinkeln an die Leserschaft weitergegeben werden. Schwelgen wir alle in den eigenen Erinnerungen und freuen uns auf das Jubiläumstreffen im nächsten Jahr.

Einen Bericht über ein Unterrichtsmodul zum Thema Papiertheater von Dr. Christian Kunz aus dem Dr. Josef Raabe Verlag Stuttgart stellt Uwe Warrach vor. Man sieht auch ein vermeintlich veraltetes Medium kann auch noch im 21. Jahrhundert erfolgreich im Unterricht eingesetzt werden.

Viel Vergnügen bei der Lektüre!

(mf)

Festival

24. Preetzer Papiertheatertreffen 9. - 11. September 2011

Ein Festivalbericht von Willers Amtrup, Brigitte und Lothar Rohde, Olaf Christensen, Iris Förster, Uwe Warrach – Fotos: Rainer Sennewald

DAS PAPIERTHEATER freut sich, diesmal mehrere, vor allem: weitere Autor/innen gewonnen zu haben, um über das Preetzer Papiertheatertreffen 2011 zu berichten. Dass einige Stücke deshalb mehrfach besprochen werden, macht die Sache nur bunter- wie die Vielfalt der Inszenierungen und die unterschiedlichen Seh- und Hörweisen.

Eine Wanderung
von Willers Amtrup


Meine diesjährige Manöverkritik startet wie üblich mit der Klage darüber, daß ich wieder einmal nur einen Teil der Vorstellungen habe besuchen können, und der heimlichen Angst, daß mir  dadurch das Beste entgangen sein könnte. Daß ich mir diesen Frust dennoch immer wieder zumute, spricht für die Güte des Erlebten.
Die Wanderung durch die verschiedenen Aufführungsorte begann mit zwei fremdsprachigen Aufführungen mit viel, viel Text. Zuerst

Joe Gladwin mit seinem Paperplays Puppet Theatre,

der eine eigene Version eines roten Piraten - „Red Rover“ – vorstellte. Es ging in zehn bei offener Bühne rasch wechselnden Szenen um einen (roten) Piraten, eine junge, in ihn verliebte Lady, ihre in einen Polizeioffizier verliebte Zofe, eine Erpressung, eine klassische Dreiecksgeschichte, eine Schlacht und schließlich natürlich um ein Happy End. Gladwin hat das mit traditionellen, aber handkolorierten englischen Druckvorlagen auf die Bühne gebracht; seine ruhige Figurenführung habe ich schon in anderen Zusammenhängen gerühmt, und das Überspielen kleiner Pannen zeigte den langjährigen Könner. Bei den Dekorationen bestach mich besonders eine im Schiffsinnern spielende Szene, bei der man den Wellengang draußen beobachten konnte. Im Grunde aber lebt jede Vorstellung Gladwins von seiner Sprachgestaltung, die zwar manchmal bei den Frauenrollen etwas exaltiert ist, aber nie sich selber unangemessen in den Vordergrund spielen will. Er hatte für die Zuschauer eine (etwas knappe) Szenenübersicht vorbereitet, die einen leider an der entscheidenden Stelle im Stich ließ, weil es dort nur hieß: „Alles wird aufgeklärt“. So konnte ich nur raten, daß eine neu eingestellte Köchin „Mama mia“ sich als Mutter irgendeines der Beteiligten entpuppt haben könnte – aber wessen?



Leider ganz ohne schriftliche Hilfestellung vollzog sich

Eric Poiriers „Don Juan aux Enfers – Don Juan in der Hölle“.

Was hätte das für ein Vorstellungsgenuß sein können, wenn ich – man ?- den 45 Minuten lang ununterbrochen in „franzenglisch“ gesprochenen Text hätte verstehen können!! So kann ich nur aus der m.E. nur bedingt logischen Vorankündigung im gedruckten Programm wiedergeben, daß das Stück der Frage nachgehen sollte, ob man Herr seines Schicksals sein, z.B. ob sich Don Juan in der Hölle einfach nur ausruhen oder gar wieder verlieben könne. Die Vorstellung begann auf einer konventionellen Urania-Bühne mit einer überzeugend stilisierten Wald-Kulisse von Christiane Comtat, auf der sich zunächst ein turbulentes Hin und Her von -zig verschiedenen Figuren abspielte. Diese Figuren, etwas über handgroße Holzblöcke mit Linol- und Holzschnittdrucken von Poirier, wurden von ihm sichtbar mit der Hand dauernd bewegt, verschwanden, tauchten wieder auf, trumpften lautstark auf, kämpften miteinander – nur eine Zuordnung war mir leider nicht möglich, zumal offenbar wiederholt mythologische Anspielungen gebracht wurden. Die Drucke selbst waren künstlerisch großartig gelungen und von großer  Vielfalt. Etwa zur Mitte der Vorstellung kippte das Proszenium nach vorne um, es entrollte sich ein eng mit Figuren beklebter Vorhang mit einem (nach meiner Deutung) Höllensturz, und das weitere Geschehen spielte sich dann auf dem blanken Spieltisch ab, flankiert von zwei Seitenkulissen mit Höllenflammen. Hier erschienen dann auch erotische Figurinen, die augenscheinlich die ungebrochene Lust Don Juans anregen sollten. Insgesamt eine von überschäumender Phantasie geprägte Vorstellung, von Poirier überaus lebhaft und teilweise exaltiert gesprochen und  in eigener Person gespielt – ausgeprägter hätte dieses eigene Spiel aber nach meinem Geschmack auch nicht sein dürfen.



Einen schönen Kontrast bot dann

Uwe Warrachs Papieroper am Sachsenwald mit „Die Sache mit dem Stern“,

von ihm selber ein „etwas eigensinniges Papiertheater-Krippenspiel“ genannt. Die Zuschauer empfing bei eingangs offener Bühne eine in ihrer Schlichtheit eindrucksvolle Wüstenkulisse mit einem sehr gut ausgeleuchteten, sternenübersäten Himmel, die sich auch zu beiden Seiten der Bühnenöffnung fortsetzte und damit ein Gefühl von Weite erzeugte. In dieser Wüste zogen nun die drei Astrologen aus Syrien (die „ Heiligen 3 Könige“ sind ja sozusagen ein Tippfehler der Religion) hin zu dem Ort, an dem nach der Prophezeiung der Messias geboren werden soll. Dort angekommen, treffen sie wegen der laufenden Volkszählung das reinste Chaos an, übergeben ihre für den Messias gedachten Präsentkörbe einer armen Tischlerfamilie und dessen Neugeborenem in einem Stall und machen sich auf den Rückweg. Warrach hat seine Figurinen vielfach altdeutschen religiösen Bilderbögen des 18. Jahrhunderts (u.a. Martin Engelbrecht) entnommen und setzt sie geschickt einzeln und in Gruppen mit ruhiger Figurenführung ein. Überzeugend seine Lichtgestaltung, seine Straßenszenen und das Getümmel in Bethlehem, seine Viehherden, die Szenen im Stall und der Rückweg in der in mehrere Ebenen gestaffelten Kulisse. Ausgesprochen gelungen auch der vielfältige Wortwitz des selbstverfaßten Librettos mit seinen Anspielungen und Verfremdungen  biblischer Texte, gipfelnd in einer Szene, in der einer der Astrologen Maria das erbetene Horoskop für das Kind verweigert, weil er ihr zwar seinen Aufstieg als „shooting star“, aber auch sein trauriges Ende hätte prophezeien müssen. Insgesamt eine schöne, lebhaft beklatschte Aufführung.



Auf  die Vorstellung der im Vorjahr so gefeierten mexikanischen Gruppe

Facto Teatro mit „Don Chico que vuela – Don Chico will fliegen“,

diesmal bestehend aus 3 Spielern, war man allgemein besonders gespannt – und selbst hochgespannte Erwartungen wurden erfüllt. Dargestellt wird am Beispiel eines normalen Dörflers, der das beschwerliche Kraxeln über Berge von einem Dorf zum anderen leid ist, der uralte Traum des Menschen fliegen zu können – und sein (vorläufiges) Scheitern. Das wurde von zwei Spielern auf einem schlichten Spieltisch vorgeführt, während der dritte Spieler überwiegend für die Begleitung mit Musik und Geräuschen (hervorragend sein Gackern und Kreischen von Tieren) zuständig war. Die Gruppe hatte eine kurze Inhaltsangabe in deutsch vorbereitet – die Handlung lief aber so plastisch ab, daß man sie auch so ohne weiteres hätte verstehen können, zumal einer der Spieler sie mit Beiträgen in gebrochenem Deutsch begleitete. Alles beginnt mit einer spartanischen Kulisse mexikanischer Berge und eines bewegten Flusses zwischen ihnen und der mühsamen Wanderung des Menschen in dieser Umgebung. Der Wunsch zu fliegen ergibt sich fast zwangsläufig und wird u.a. am Beispiel von Vögeln illustriert. Also macht sich unser Protagonist in äußerst witzigen Szenen an die Vermessung und Verwiegung von Hühnern aus dem Stall und anderen fliegenden Lebewesen, probiert und verwirft Dutzende verschiedener Flügel, betreibt in Gestalt des deutsch radebrechenden Mitspielers mit einer hinreißenden, nie überzogenen Pantomime vorbereitende Gymnastik und muß dann doch wieder feststellen, daß sein Flügelflattern nur dazu taugt, den Kehricht von der Straße zu fegen. Dennoch startet er schließlich, über und über behängt mit Gaben seiner Mitbewohner, von einem sehr schön stilisierten Kirchturm aus zu seinem ersten Flug, der sein letzter sein wird. Denn natürlich stürzt er ab, und wir sehen die Menschengruppen, die seinen Sarg bei der Beerdigung begleiten.  Die Aufführung lebte von der Spielfreude und dem perfekten Zusammenspiel der drei offensichtlich professionellen Akteure und wurde zu recht begeistert gefeiert.



Bei der nächsten von mir gesehenen Vorstellung schieden sich die Geister. Während einige meiner Gesprächspartner, darunter „altgediente“ Liebhaber des Papiertheaters, die Aufführung rühmten, stieß sie bei anderen auf mehr oder weniger starke Ablehnung. Es geht um

„La Belle au Bois Dormant - Version Mode et Travaux 1979“ der Compagnie Volpinex.

Erzählt wird das bekannte Märchen vom Dornröschen, dessen Akteure durch aus Modezeitschriften der Fa. Burda von 1979 ausgeschnittenen Fotos dargestellt wurden. Da gibt es meist zu dritt auftretende junge Frauen als Darstellerinnen der guten Feen, außerdem eine ziemlich streng gekleidete böse Fee, weiter Dornröschen selbst zunächst als Baby, dann als sommerlich beschwingte junge Dame immer mit einem Blumenstrauß in der Hand und später als leicht bekleidete Liebhaberin eines Prinzen, der stets seine Flinte im Arm und den Hund an seinen Beinen hat. Alle diese Fotos der Akteure werden von dem Spieler Fred Ladoué an Stäben von oben vor einer hellen Fläche, sozusagen der Bühne, bewegt und dabei mit einer Camera gefilmt, die ihrerseits das Gefilmte  auf eine große Projektionswand überträgt und dort in ständig wechselnde Hintergründe einspeist, die ebenfalls durchgehend aus Fotografien bestehen. Das wird im vorbereitenden Programm mit Recht als „raffinierte Projektionstechnik“ bezeichnet, und als technischer Laie war ich schon erstaunt darüber, daß diese Hintergründe und die darauf applizierten Figurenfotos sich nicht ständig miteinander vermischten (zumal außerdem auch noch Untertitel in deutsch in die Projektion eingefügt wurden). Trotz dieser Raffinesse halte ich das Experiment für mißglückt. Ich habe schon früher – nämlich bei Per Brink Abrahamsens Oldenburger „Ring“-Aufführung (vgl. „PapierTheater“ Nr. 12/1999) und bei der Bremer Aufführung des „Geliebten Adonis“ (vgl. „Das PapierTheater“  Nr. 3/3) – beklagt, daß Projektionen einer abgefilmten Aufführung zwangsläufig nur flache Wirkungen ergeben und daß die reizvolle Tiefe einer „normalen“ Aufführung verloren geht; ich kann mich jetzt nur wiederholen. Hinzu kam im vorliegenden Falle, daß die extrem exaltierte Selbstdarstellung des Spielers Ladoué mich doch erheblich störte. Aber wie eingangs gesagt: es gab durchaus gegenteilige Meinungen – ich bin gespannt auf eine Widerlegung meiner Einschätzung.   



Anschließend wurde es zwar nicht inhaltlich, aber als Spiel erheblich ruhiger:

Römers Privattheater mit „Vasantasena“,

von Horst Römer bei der Vorstellung selbst als Stück voller Verwirrungen bezeichnet. Eine erfreulich umfangreiche schriftliche Inhaltsangabe half, dieses altindische Drama zu verstehen: Der fiese Bruder eines tyrannischen Königs verfolgt eine liebenswerte Bajadere namens Vasantasena, zwischen der und einem völlig verarmten, weil zu freigiebigen Kaufmann sich bei einem zufälligen Treffen eine Zuneigung entwickelt. Zunächst gelingt es, den Nachstellungen des Königsbruders zu entgehen, doch als alle Beteiligten am nächsten Tage am Tempel des Liebesgottes zusammentreffen – der Kaufmann, um für das Liebeserlebnis zu danken, Vasantasena, um ihn dort zu treffen, der Königsbruder, um den Beistand des Gottes zu erbitten -, kommt es zu einem dramatischen Konflikt, an dessen Ende Vasantasena, vom Königsbruder gewürgt, wie tot am Boden liegt. Da der Königsbruder die Schuld auf den Kaufmann schiebt, wird dieser von dem tyrannischen König zum Tode verurteilt und erst in letzter Sekunde gerettet. Denn parallel dazu verläuft ein zweiter Erzählstrang über einen Hirten, der neuer König werden soll und deshalb vom Tyrannen verfolgt wird, aus dem Gefängnis entfliehen kann, an der Hinrichtungsstätte erscheint, den Tyrannen entthront und die aus ihrem Scheintod erwachte Bajadere mit dem Kaufmann vereint.
Unter Verwendung alter Illustrationen hatte Horst Römer zu den 7 Bildern der Aufführung rundum gelungene Dekorationen mit großer Tiefenwirkung geschaffen, von denen mich besonders der Palast des Königs, der Tempel des Liebesgottes und eine Straßenszene beeindruckten, in der sich ein wildes Durcheinander verschiedener „Verkehrsteilnehmer“ abspielte. Die dort aufeinander treffenden Gruppen konnte man gar nicht so schnell richtig würdigen: hochbepackte Lasttiere, Kutschen mit verschiedenen Insassen, ein Gefangenentransport, aufragende Militärpatrouillen, die Flucht des gefangenen Hirten, Sänften, Sonnenschirme – wunderbar gemacht! In der Rückfront des Liebestempels öffneten sich bei mehreren Gelegenheiten Türen, hinter denen vier Liebesdienerinnen auf Kunden warten und sie hüfteschwenkend zu verführen versuchten – ein gelungener Spaß. Nimmt man die wirklich gute Ausleuchtung der Szenen – u.a. ein eindrucksvolles Gewitter – hinzu, so kann man die Aufführung nur in jeder Hinsicht überzeugend nennen.



Ein wenig Schwierigkeiten hatte ich zeitweilig mit

„Sherlock Holmes: Das Familien-Ritual“, präsentiert von Haases Papiertheater.

Es geht in einem englischen Landsitz um das plötzliche Verschwinden eines Butlers, den seine Herrin gerade zuvor beim Schnüffeln in Familienpapieren erwischt hatte, und eines Hausmädchens. Was man auf der Suche nach Ihnen auf dem Grundstück findet, ist ein Jutesäckchen mit „Steinen“ und Metallteilen. Holmes und Dr. Watson finden – wie vor ihnen schon der Butler – heraus, daß die Papiere eine uralte, geheimnisvoll verschlüsselte Wegbeschreibung zu einem Schatzversteck enthalten, gehen den Hinweisen minutiös nach und gelangen schließlich zu einem allen völlig unbekannten Keller in einem der Gutsgebäude. Dort waren vor ihnen auch der Butler und das Mädchen gelandet und hatten eine Schatztruhe entdeckt, sich aber alsbald zerstritten mit dem Ergebnis, daß der Butler das Schatzversteck nicht mehr lebend verlassen konnte und das Mädchen auf der Flucht das vermeintlich wertlose Säckchen wegwarf. Holmes ermittelte dann auch insoweit die Wahrheit: die „Steine“ waren Edelsteine und die Eisenteile Reste einer Königskrone. Zu diesem Geschehen hatte Martin Haase etliche ganz wundervolle Bilder geschaffen, die stimmungsvoll und absolut überzeugend (z.T. unter Verwendung von Schwarzlicht) ausgeleuchtet waren. Die nächtliche Suche im Park, der Gang auf der Wendeltreppe hinunter in den unbekannten Keller, die ganz geheimnisvoll z.T. als Schattentheater dargestellten dortigen Aktivitäten des Butlers und des Mädchens – all’ das hätte nicht besser präsentiert werden können. Meine eingangs erwähnten Schwierigkeiten beruhten darauf, daß die Vorstellung relativ viele und nicht ganz kurze Umbaupausen aufweist – wenn daran noch ein wenig gearbeitet werden könnte, wäre sie vollkommen.



Robert Poulter zu loben heißt Eulen nach Athen zu tragen – aber was soll man anderes tun? Die Geschichten, die er erzählt, mögen manchmal verworren sein -  ihre Gestaltung macht alles wieder wett. Diesmal bei

„The Mummy’s Purse – Die Geldbörse der Mumie“

hielt sich die Verwirrung in Grenzen: Zwei Archäologen entdecken in Ägypten das vollständig erhaltene Grab einer Königin und zerstreiten sich dann. Einer von ihnen findet die zurückgelassene Geldbörse der Königin, ohne die sie ihr Leben nach dem Tode nicht weiterführen kann. Mit Hilfe von drei altägyptischen Göttern, darunter der Totengott Anubis, ein Mensch mit Hundekopf, gelingt die Wiedererlangung der Börse („purse“) – zugleich trifft ein Fluch („curse“) denjenigen der Archäologen, der es gewagt hatte, die Börse an sich zu nehmen – für mich blieb nur offen, wen von beiden nach der Logik der Geschichte es nun traf. Aber wie gesagt: ich muß bei Robert Poulter nicht alles verstehen, um ihn trotzdem hinreißend zu finden. Vierzehn rasant gewechselte Szenen in 30 Minuten – wer schafft das sonst? Da gab es eindrucksvolle ägyptische Landschaften, schöne Hafenszenen, Schauplätze auf einem Schiff, im Museum und auf dem Nil – alle wie immer gut ausgeleuchtet. Gelungen auch viele bewegliche Figuren sowie Figurengruppen und kleine Szenen mit Witz, etwa die Ticketkontrolle in der Eisenbahn, bei der sich nacheinander die Abteiltüren öffnen und schließen. Wie gewohnt langer berechtigter Beifall.



Nach der nächsten Vorstellung sagte derselbe alte Freund, mit dem ich mich über die Dornröschen-Aufführung nicht einigen konnte: „Das war kein Papiertheater!“ In Teilen hatte er damit recht – und doch war es für mich eine der berührendsten Vorstellungen dieses Treffens. Gemeinsam mit den Musikern Helena und Jiri auf Geige und Gitarre präsentierte

Hana Voriskov� and Muziga: „The Pear Tree in the Field“,

acht verschiedene Miniaturen, die sie „Videoclips aus Papier“ nannte und die alle um das Thema menschlicher Beziehungen kreisten. Die beiden Musiker spielten dazu jeweils zu Beginn thematisch passende Stücke, die im Programm als „traditionelle tschechische Folksongs“ angekündigt wurden – wenn das stimmt, was ich nicht beurteilen kann, sähen wir mit unserem im Frühtauzuberge lustwandernden Müller ziemlich alt aus; denn diese Musik war musikalisch höchst anspruchsvoll und zudem virtuos vorgetragen. Hana Voriskov� begann mit einer Miniatur über die Trennung zweier Menschen, indem sie die „Bühne“, eine nur mit einem Herz bemalte Papierfläche in der Mitte zerschnitt, die beiden Hälften dann immer weiter auseinanderzog und an ihren Rändern zwei stilisierte Menschen erscheinen ließ, die sichtlich vergeblich versuchten zueinander zu gelangen, zumal sich zwischen den beiden Bühnenhälften dann auch noch Wasser ausbreitete. Der Eindruck, den dieses Stück, verstärkt durch den konzentrierten Ernst der Spielerin,  auf mich machte, läßt sich mit dürren Worten im Grunde nicht beschreiben. Das war Papiertheater! Es folgte mit einer neuen Bühne bzw. Kulisse ein Stück über ein die Einberufung ihres Verlobten zum Militär beweinendes Mädchen unter einem Birnbaum („The Pear Tree in The Field“), bei dem nacheinander ein Reiter und ein Wanderer immer kleiner werdend einen Berg hinauf stiegen. Anschließend etwas, was tatsächlich kein Papiertheater war, nämlich die Vorführung von Zauberkünsten, mit denen eine Frau einen schönen Mann zu erringen versucht – das hatte, wie gesagt, mit Papiertheater nichts zu tun, war aber gänzlich unaffektiert vorgeführte schöne Pantomime. Durchaus zum Papiertheater gehörte das nächste Stück über diese provozierte Trennung eines Liebespaares durch üble Nachrede und deren Wiederannäherung, nachdem die die Bühne beherrschenden, böse aussehenden   „Lästermäuler“ gestopft waren. Weitere Themen waren ein Dank für das Leben, das Anlocken eines Mannes wie mit dem Duft einer Erdbeerblüte, das Versteck eines Liebespaares in einem Kornfeld und die mit vielen verschiedenen Bildern (z.T. in der Art eines Leporellos) illustrierte Jagd bestimmter Männer – „Sammler“ – nach möglichst unschuldigen Frauen. Alle Akteure (Musik: Helena Vedralov� und Jiri Vedral) bekamen starken, berechtigten Applaus.



Mit dem Stichwort Leporello sind wir dann bei der letzten von mir besuchten Vorstellung angelangt,

„Der Fall Don Giovanni – Die Wahrheit“, gespielt von Anna Herbst und Peter Schauerte-Lüke.

Auch hier hörte ich vorher einige unterschiedliche Einschätzungen, und in der Tat ist die Figurenführung auf der stark vergrößerten spanischen Bühne mit nur zwei unterschiedlichen Kulissen etwas einfach. Die dahin gehende Kritik übersieht aber das Eigentliche dieser Aufführung, ihren inhaltlichen, musikalischen und darstellerischen Witz. Die Wahrheit sei, so wird behauptet, daß Mozarts Don Giovanni alles andere als ein Frauenheld und vielmehr nur die Projektion eines viele Generationen zuvor lebenden Vorfahren gewesen sei, der nunmehr danach strebt, verjüngt wieder Liebesabenteuern nachgehen zu können. Damit setzt ein munteres Verwirrspiel verschiedener Beteiligter aus verschiedenen Jahrhunderten ein: der Comtur mutiert zum Vorfahr, Don Quixote taucht erstaunlicherweise auf, wird von Kardinal Richelieu verfolgt und singt statt Mozartmelodien solche aus dem Musical „Der Mann von La Mancha“, Dulcinea und Elvira werden praktisch austauschbar. Ziel des ganzen Durcheinanders ist, den längst verstorbenen legendären Vorfahr mit Hilfe von Dr. Sauerbruch in den lebenden Don Giovanni zu verpflanzen. Das aber geht aus doppeltem Grunde schief: Dr. Sauerbruch operiert irrtümlich Don Quixote statt Don Giovanni, und ein Stromausfall während der Operation hat zur Folge, daß zwar ein neuer Frauenheld entsteht, aber nicht Don Giovanni II., sondern – Silvio Berlusconi. Diese haarsträubende Geschichte spielen und vor allem singen Anna Herbst als Zofe der Donna Elvira und Peter Schauerte als Leporello lebhaft, aber nie überzogen. Anna Herbst ist ausgebildete Sängerin mit schönem Ton, und Peter Schauertes Gesang höre ich nach wie vor gern. Nicht nur im gesprochenen Text, sondern gerade auch in den Gesangsszenen steckte eine Menge ausgesprochen gelungener Witz. Da wird die auf Don Giovanni den Jüngeren gemünzte Registerarie umgetextet – in Italien sei gar nichts gewesen und auch in Deutschland nichts als Spesen -, da fordert Zerlina den widerstrebenden Giovanni auf, ihr seine Hand, sein Leben zu reichen, da besingt Elvira unter einem Fenster den dahinter vermuteten Giovanni – beides eben Konsequenz dessen, daß Don Giovanni, wie es heißt, an gebrochener Mannbarkeit litt. Ich habe mich köstlich amüsiert und jedenfalls in meiner Vorstellung das Publikum auch.



Wie immer zum Schluß: Nächstes Jahr in Preetz!!

Mensch und Pappe
von Uwe Warrach


In der Haupt-Überschrift klingt es schon an: Diesmal fielen mehrere Papiertheaterspieler/innen auf, die ihren kleinen Gestalten Konkurrenz machten, indem sie selbst vor ihre Bühnen traten und agierten. Nicht ganz neu, aber doch recht originell, so fand ich das bei Haases „Sherlock Holmes“, Peter Schauerte-Lükes „Don Giovanni“ und Carsten Niemanns „Brigant“, und sie waren ja nicht die einzigen. Das Heraustreten aus der kleinen Bühne scheint ebenso einer Art Sehnsucht des Papiertheaterspielens zu entsprechen wie Projektionen auf große Flächen- mit den dazugehörigen Risiken.

„Der Brigant“
Figurentheater Liselotte – Carsten Niemann, Berlin

Das Spiel ist das Ziel
Auf dem Begrüßungstablett stehen keine Schnaps-, sondern Operngläser, weil auch die Bühne nur (Groß)postkartengröße hat. Dort geht es allerdings hoch her, mit der Räubergeschichte über Alessandro Massaroni, der wohl ebenso Volks- wie Frauenheld als auch, aus heutiger Sicht, so was wie ein Terrorist war. Auf Pollock’s Bühne und im viktorianischen Melodram geht es freilich nicht allzu wüst zu, sondern eher romantisch und komisch. Dafür sorgt schon allein Carsten Niemanns Improvisierkunst: Wichtiger als der Inhalt scheint bei ihm das Spiel. Er lässt nicht durchschauen, ob er jetzt wirklich eine Figur verlegt hat oder die Kulisse nicht finden kann, ob das zur Dramaturgie gehört oder jetzt gerade wieder eine Panne ist, die Vorbereitung zu einem neuen Gag oder ein sich anbahnendes Desaster. Er ist allgegenwärtig, kriegt das alles hin, spielt, wie gesagt, selber mit,  und einmal dachte ich, es sollte mich nicht wundern, wenn jetzt gleich eine Figurine gegen diese Behandlung protestiert. Viel verdienter Beifall.



„Winnie will woanders schlafen“
Hellriegels Junior – Willem Klemmer, Gerlinde Holland, Kiel

Ein Hase wie ich und du
Der kleine Hase, dem es zu Hause mit den vielen Geschwistern zu drängelig ist, klappert die Wohnungen der Waldtiere nach einem schöneren Schlafplatz ab, aber überall stört ihn irgendetwas- das Bett des Igels piekt, die Eule liest die halbe Nacht beim Lampenlicht, und das Eichhörnchen knackt lange sein Abendessen.  So ist Lämpchen froh, als er wieder zu Hause ist. Auf schönen Zeichnungen von Gerlinde Holland dargestellt und von ihr und ihrem Enkel Willem Klemmer gefühlvoll und mit Witz in Szene gesetzt, begeistert es nicht nur Kinder. Technisch interessant: die schrägen Pappstreifen (an Stelle von Drähten), an denen die Figurinen bewegt werden. Der sehr junge Sprecher lässt die Not des Hasen ebenso anklingen wie die Freude über die jeweilige Einladung und die folgenden Enttäuschungen über die mangelhaften Unterkünfte. Und die Moral kommt nebenbei auch rüber.














„Das Feuerzeug“
Papiertheater Pollidor – Barbara und Dirk Reimers, Preetz

Barbara, Dirk und der Hund
Barbara und Dirk Reimers’ Pollidor’s arbeitet diesmal überwiegend mit traditionellen Bildern, nur ihre Hunde sind endlich aus dem wirklichen Leben auf die Bühne gestiegen. Die Geschichte vom Soldat und der Hexe, deren Feuerzeug ihm erst ein kurzfristiges Vermögen einbringt, am Ende die Prinzessin zur Frau, ist ja nicht nur ein Kindermärchen, sondern auch eine Fabel über die Vergänglichkeit der Freundschaft, wenn der Wohlstand nachlässt und vielleicht auch über die unbeirrbare Pflichttreue des Hundes. Die Aufführung ist leise, Hans Christian Andersens Stil angemessen, aber mit mehr Humor als bei dem immer etwas melancholischen Dänen, der diesmal wenigstens ein Happy end zuließ.  Ein liebevoll gestaltetes Bühnenbild versetzt uns in ein Städtchen seiner sympathischen Heimat. Live gesprochen, decken die verstellten Stimmen alle Mitwirkenden perfekt ab; ausnehmend viel Spaß scheinen Dirk dabei die Hunde zu machen, besonders der große.



Spannung, Stille und Applaus
von Brigitte und Lothar Rohde


„The Pear Tree in the Field“
Hana Voriskov� and Muziga – Hana Voriskov�, Helen Vedralov�, Jiri Vedral, Tschechien

Mit Spannung erwarten wir am Freitagabend unsere erste Aufführung beim 24. Papiertheatertreffen. Zunächst sind wir überrascht, dass weder Hana noch ein Papiertheater im Stall, einem idealen Spielort, zu sehen sind.  Stattdessen singen und spielen Helena Vedralov� (Gesang, Geige)  und Jiri Vedral (Gitarre) vom Liebesleid eines jungen  Mädchens.  Jetzt erscheint Hana und zeigt in Bänkelsängermanier den deutschen Text.
Was dann folgt, verzaubert die Betrachter nachhaltig. Neun Lieder werden mit variantenreichen Spieltechniken auf rohen Kartonbühnen oder einem auf dem Kopf getragenen Zylinder in Bilder umgesetzt. Die Schlichtheit der Strichfiguren und Hanas Körperspiel verstärken die dargestellten Liebeskonflikte.
Zu dem Lied  „Mein Herz ist in großen Kummer geraten …. Es schmerzt mich wie ein Messerstich, daß ich dich nicht haben kann“, zerschneidet sie mit einem Messer die Kartonbühne zwischen den Liebenden.
Eine Liebe gerät in Gefahr, durch Klatschweiber zerstört zu werden.  Sprechblasen fliegen aus dem Schandmaul  der einen  in das Ohr der Nachbarin. Die roten Liebesherzen färben sich  schwarz. Erst als Mund und Ohr mit Papier verstopft werden, kann die Liebe erneut erblühen. Die Liebenden wenden sich wieder einander zu.
Die Symbolik des Don-Juan-haften Jungfernkranzsammelns erzählt von weiteren Liebesfreuden und Liebesleiden.
Ein Reigen einfallsreicher Szenen mit stimmiger Musikbegleitung macht uns still und lässt uns laut applaudieren. 



„Sherlock Holmes: Das Familien-Ritual“
Haases Papiertheater – Sieglinde und Martin Haase, Remscheid

Gruselstimmung bei Blitz und Donner und flackerndem Kaminfeuer verbreiten Martin und Daniel Haase mit dem Kriminalstück nach Sir Arthur Conan Doyle. – Von wegen: „Mein Name ist Ha(a)se…“ - die beiden wissen genau, wie sie Sherlock Holmes und Dr. Watson Licht ins Dunkel bringen lassen – und machen es spannend, mit schönen selbstentworfenen Szenenbildern!
Auf offener Bühne sieht der Zuschauer das rätselhafte Verhalten des Butlers Brunton,die –ob seines Verhaltens ratlose- Lady Musgrave, die hilflosen Polizeibeamten und die gewitzten Spurensucher Holmes und Watson.
Wunderbar:  die Szene auf der Brücke bei der Suche im Fluss mit typisch englischem Nebel (aus Haases Nebelmaschine üppig produziert..), die Situation im Restaurant mit dem Tee servierenden Dresdner Schokoladenmädchen oder die Beweisaufnahme im Schlossgarten mit Lupe und Messlatte bei Vogelgezwitscher. Und nicht zu vergessen: Die Wendeltreppe, die in beeindruckender Draufsicht zur Lösung des Falles in den Keller hinab führt.
Bei den zum Teil langandauernden Szenenwechseln werden die Zuschauer bei geschlossenem Vorhang und spannender Musik zum „Lauscher an der Wand“.
Der Inhalt eines aus dem Fluss gefischten Beutels -rostige Metallstücke und bunte Glasscherben- entpuppt sich letztendlich als die lange vermisste Krone Englands. Reizvoll ist auch das Schattentheater, das den Zuschauer bei der Rekonstruktion des Falles dabei sein lässt, wenn der Butler Brunton von seiner Geliebten, dem Hausmädchen, umgebracht wird, als
er ihr Geld aus der Schatzkiste reicht und sie ihn - aus enttäuschter Liebe- ermordet und im Keller zurücklässt.
Wie schön, dass bei Haases das Papiertheater-Spiel zum Familien-Ritual wird!




„Die Sache mit dem Stern“
Papieroper am Sachsenwald – Uwe Warrach, Reinbek

Noch ehe die drei Weisen aus Syrien, Kaspar, Melchior und Balthasar, das Kulissengebirge durchziehen, nimmt der Zuschauer entzückt die glitzernde Sternenszenerie über dem Morgenland wahr und wird von einer wunderbar wehmütig-verheißungsvollen Musik mit ins Geschehen gezogen.
Man schreibt das Jahr Null, die drei Astrologen folgen einer Prophezeiung, das biblische Volk einer Aufforderung zur Volkszählung. Es geht turbulent zu auf Straßen und Plätzen. Die drei Weisen, müde von der langen Reise und voller Zweifel an ihrer Vorhersehung, geraten in den Strudel der biblischen Geschichte.
In farbenprächtigen Bildern zeigt Uwe Warrach lebhaftes Basartreiben, Hirten mit ihren Herden und schließlich die Stadt Bethlehem, die keinen Platz mehr hat für Herbergssuchende. Immer wieder dabei: die orientalisch-geheimnisvolle Musik  -  und von Anbeginn: der Stern, dem die weisen Männer nachfolgen, der Stern, der ihnen den Weg zeigen soll zum neuen König der Juden, dem Messias.-
„Vielleicht ist alles nur eine mittelmäßige Supernova, alles nur Zufall?“ fragen sie sich. „Die Astrologie ist keine Wissenschaft“, sagt Balthasar, „die haben wir uns ausgedacht. Sterne und ihre Kreise sind Gottes Werk. Den Stand der Sterne zu berechnen ist Mathematik.“
Immer wieder deckt sich das Erlebte zur Verwirrung oder Bestätigung der drei Weisen mit alttestamentarischen Vorhersagen.
Sie wundern sich über die Hirten des nachts auf dem Felde („Viehmarkt, mitten in der Nacht?“), sie werden auf die Heilige Familie aufmerksam, auf Josef und “wie war doch gleich ihr Name?“, die  ihre letzte Habe für eine Bleibe in einem Stall ausgeben. Das erregt ihr Mitleid,  und es begibt sich also, dass Jesus („das pfiffige Kerlchen“) und seine Eltern („Ob der Alte wohl der Vater ist?“) von ihnen beschenkt werden mit Weihrauch und Myrrhe, die die weisen Männer eh‘ nicht wieder mit nach Hause nehmen wollen („Wir sagen, wir hätten den neuen König gesehen und beschert.“).
Balthasar trifft auf Lukas (vom “Bethlehemer Generalanzeiger“), der auf Quirinius schimpft und vor Herodes warnt. Kaspar und Melchior,  die die Gaben in den Stall gebracht haben, kommen wieder mit der Bitte Marias um ein Horoskop für ihren kleinen Sohn. -   Voller Selbstzweifel greift Balthasar nach der Hand des Kleinen. Er sieht denselben Stern, der ihn und seine Gefährten nach Bethlehem geführt hat und weissagt Maria, dass aus ihrem kleinen Sohn einmal ein „Shooting Star“ werden wird, „ein Erwählter mit großer Message, etwas eigensinnig und dickköpfig.“- Seinen Begleitern offenbart er noch, was er der glücklichen Mutter nicht sagen wollte: dass aus dem Jungen ein wunderlicher Herumtreiber, Scharlatan, Raufbold wird und, dass Soldaten ihn schließlich holen werden.—Balthasar will nicht wissen, wie Jesu Schicksal weiter verläuft.
In Uwe Warrachs Geschichte werden die drei Sterndeuter nicht so recht schlau aus dem Erlebten und beschließen, es für sich zu behalten.
Es geht eben vieles über den menschlichen Horizónt.



La Belle au Bois dormant Version Mode et Travaux 1979
Compagnie Volpinex – Fred Ladoué, Frankreich

„Die Zeit, die ist ein sonderbar Ding … auf einmal spürt man nichts als sie.“   Hofmannsthals Worte aus dem „Rosenkavalier“ schweben über  Fred Ladoues Adaption von Dornröschen,  das  als  „La belle au bois dormant“ von Charles Perrault lange vor der Druckfassung der Brüder Grimm erschien. Fred verspricht in charmantem Französisch, nachdem er im Rüschenhemd theatralisch die Zuschauer empfängt, eine Präsentation von 3 Akten zu je 5 Minuten. Damit wir seine Vorgabe überprüfen können, stellt er eine Eieruhr. Nach jedem Klingeln wird der nächste Akt ausgerufen. Die eigentliche Handlung wird zunächst von 3 Models aus Modezeitschriften von 1979 bestimmt. Sie zieren sich als Feen vor einem grünen Bühnenhintergrund. Life aus 2 Kameras, in greenbox-Technik zusammengesetzt, wird das Bild auf eine Leinwand gebeamt. Bewundernswert ist die Souveränität, mit der der Hintergrund als Leporello und die 3 Feen im Vordergrund gleichzeitig für die jeweilige Kamera bewegt werden. Dazu noch die durch pantomimisches Gestikulieren verstärkten französich-deutschen Erläuterungen. Die Zuschauer verfolgen dauerschmunzelnd mit hoher Aufmerksamkeit diese „comedie francaise“.
Wie bekannt, fällt Dornröschen in einen 100-jährigen Schlaf. Diese 100 Jahre zählt Fred genüsslich hoch,  kommt aber nur bis 80, da kündigt der Wecker das Ende der vorgegebenen Zeit an.
(„Auf einmal spürt man nichts als sie.“) Obwohl Dornröschen noch schläft, werden wir eindringlich aufgefordert, das Theater nun zu verlassen.
Wir bleiben stur und erzwingen einen vierten Akt ohne Zeitlimit. Endlich durchdringt ein Prinz  problemlos die Hecke aus Blumentöpfen und weckt seine Prinzessin. Diese stellt erschreckt  fest, dass ihr Kleid nach 100 Jahren nicht  mehr der Mode entspricht und zieht sich für das Happy-End um.
Die Zuschauer applaudieren begeistert dieser erfrischenden Interpretation, wenn auch das Papiertheater wesentlich durch elektronische Präsentationsmedien unterstützt wurde.





Olaf Christensen – Aus der Sicht eines Papiertheaterspielers:

„Vasantasena“
Römers Privattheater – Motoko und Horst Römer, Wildeshausen

Bollywood in Preetz ist das, was den Zuschauer anspringt, wenn sich der Vorhang von Römers Privattheater zu „Vasantasena“ öffnet.
Dieses Stück ist in mehrfacher Hinsicht eine Besonderheit, die das papiertheatertechnische Können der Familie Römer unter Beweis stellt.
Da ist zunächst das zehnaktige Drama mit verworrenem Inhalt aus dem altindischen Sanskrit, das auf 45 Minuten in Zeit und Umfang reduziert und in eine flüssige Handlung transponiert  werden musste.
Räumliche Tiefenwirkung der wie die Figuren selbst gestalteten Kulissen lassen das Stück zu einem optischen Genuss werden, der durch die ein paar genau auf den Punkt eingesetzte mechanische Spezialeffekte in bester Manier ergänzt wird.
Dazu gehört beispielsweise das immer mal wieder auftauchende „Oben-Ohne“- Damenballett, dem der begonnene Bauchtanz bis auf die Schlussszene immer wieder versagt bleibt.
Passend zur optischen Inszenierung der akustische Eindruck, bei dem gekonnt mit Musik und der passenden - bisweilen recht geschraubt klingenden - Sprache jongliert wird.
Neben der technischen Ausstattung überzeugt auch die Dramaturgie, die die ineinander geflochtenen Handlungsstränge der Originalgeschichte nachvollziehbar zusammenführt und die Spannung bis zum Höhepunkt und Schluss der Geschichte stets zu steigern in der Lage ist.
Das Ende der Geschichte um Liebe, Intrigen, Ränke und Freiheitskampf ist dann auch wie ein echter Bollywood-Film: das Gute siegt, viele Figuren präsentieren sich glücklich im Schlussbild – und in diesem Fall auch im Zuschauerraum, in dem der Applaus die Begeisterung des Publikums deutlich zum Ausdruck bringt.




„Sherlock Holmes: Das Familien-Ritual“
Haases Papiertheater – Sieglinde und Martin Haase, Remscheid

„Sehen Sie mal, was ich gefunden habe!“
Mit diesen Worten leitet Meister Haase, durch Calabash-Pfeife und Holmes-Mütze als Meister-Detektiv kenntlich, das Stück ein und übergibt seinem Assistenten Dr. Watson einen Sack mit Erinnerungsstücken und das Wort.
Der Vorhang des mit zwei Hasenköpfen dekorierten Urania-Proceniums öffnet sich, um den Blick auf einen gewitterumtosten englischen Herrensitz freizugeben, dessen räumliche Tiefenwirkung nur noch von dem realistisch dargestellten Gewitter optisch und akustisch übertroffen wird.
Schon gleich in der ersten Szene wird der Zuschauer gewahr, dass ihn hier eine Fülle von Spezialeffekten erwartet, die von Kaminfeuer über dichten Nebel bis hin zum Perspektivwechsel einer sich hinab windenden Wendeltreppe geht, die der Zuschauer mit den Protagonisten aus der Vogelperspektive hinuntergeht.
Der technische Aufwand hat seinen Preis im nicht allzu rasanten Kulissenwechsel, der dem Zuschauer aber durch interessante Zwischenvorhänge und Hörspielsequenzen verkürzt wird.
Die für’s Papiertheater herausragende Inszenierung mit fotorealistischen Figuren, stimmigen Kulissen und der akustischen Einbindung der Familie Haase als Sprecher in der ebenfalls hochwertigen Tonaufnahme, bilden den Rahmen, in dem Sherlock Holmes einen seiner spannendsten Kriminalfälle in nur 30 Minuten lösen lässt.
Aber nicht nur auf und hinter der Bühne spiegelt sich die Professionalität von Haases Papiertheater wieder, sondern beim Zuschauerservice, wo auf Wunsch neben der üblichen Kurzfassung nach dem Stück auch noch einmal eine Fall-Lösung in englischer Sprache gereicht wird.
Wer wissen möchte, was das Verschwinden des Butlers, der hysterische Zusammenbruch des Zimmermädchens, das Familienritual selbst und die englische Geschichte miteinander zu tun haben, dem sei diese Aufführung wärmstens empfohlen.




„Beate und das Biest“
Svalegangens Dukketeater – Per Brink Abrahamsen, Sören Mortensen, Dänemark

„Beate und das Biest“ ist das bekannte Märchen um die Schöne mit der entsprechenden hässlichen Kreatur in der zweiten Hauptrolle, von dem in der Inszenierung auch nicht wesentlich – abgesehen von Beginn und Ende in einem Museumsschloss der Gegenwart - abgewichen wird.
Viel Aufwand betreibt das Svalegangens Dukketeater, um mit extra gefertigten Kulissen und Figuren die Geschichte mit einer exzellenten Tiefenwirkung lebendig werden zu lassen.
Neben einer das Bühnenbild in bester Weise unterstützenden Lichtsteuerung sind es auch die vielen kleinen Nebeneffekte wie das Treppensteigen, das Gehen durch Türen und die z. T. beweglichen Arme der Figuren, die das Anschauen des Stück zu einem optischen Leckerbissen machen.
Für den Ton wurden auf dem entsprechenden Träger nicht weniger als acht Stimmen vereint.
Da die deutsche Erzählstimme die dänische Original-Tonspur in fast gleicher Lautstärke überlagert, ist es leider bisweilen akustisch schwierig zu folgen.
Dafür aber sind die einzelnen Szenen ausgezeichnet gestaltet, so dass sich der Handlungsfluss zumindest optisch mühelos verfolgen lässt.
Ein wenig langatmig geriet die wiederholte Kernfrage des Biests an die Schöne, ob sie es nicht heiraten wolle, da jedes Mal erst ein Kulissenwechsel vollzogen wird.
Insgesamt aber eine handwerklich ausgezeichnet umgesetzte Theateraufführung, die sehenswert ist.




„Die Sache mit dem Stern“
Papieroper am Sachsenwald – Uwe Warrach, Reinbek

„Die Sache mit dem Stern“ verhält sich natürlich aus Uwe Warrachs Sicht ganz anders als in der offiziellen Geschichtsschreibung.
Doch bevor er sich auf seiner Tischbühne anschickt, die Geschichte aus dem Jahre Null richtig zustellen, erfolgt zunächst der kurze Hinweis, dass Papierkrippen wohl die eigentliche Keimzelle des Papiertheaters sind.
Die Richtigkeit seiner These untermauert Uwe Warrach dann auch gleich mit seiner Art, altdeutsche Kripppenfiguren und selbst gemalte Kulissen zu einer Geschichte zu verbinden, die aus den Heiligen Drei Königen drei Astrologen macht, an denen der Selbstzweifel hinsichtlich des Auftauchens des neuen Königs und Messias nagt.
Die Inszenierung zusammen mit der musikalischen Untermalung „Auf einem Persischen Markt“ lässt einen schnell in die Geschichte eintauchen und mit den drei Hauptdarstellern fühlen.
Abgespannt und ohne den nötigen Erfolgsglauben wollen die drei nur wieder zurück nach Hause und dem Chaos der gerade stattfindenden Volkszählung entgehen.
Nach einer mit dem typischen Warrach’schen Wortwitz geführten Diskussion ist man gewillt, einer armen Tischlerfamilie mit frisch entbundenem Nachwuchs die für den neuangekommenen Messias gedachten „Präsentkörbe“ zu überlassen und sich schleunigst auf den Heimweg zu machen.
Man wird die Geschenke los, seitens der Mutter noch zur Erstellung eines nur bedingt positiven Horoskops für den neuen Erdenbürger genötigt und macht sich wieder auf die lange Reise durch die von Uwe Warrach stimmungsvoll in Szene gesetzte nächtliche Wüste unter glänzendem Sternenhimmel, bis einen das fahle Neonlicht des Klassenzimmers zurück in die Preetzer Wirklichkeit holt.
Ein gelungenes Papiertheaterstück, dessen Text durchaus auch die Hörspiel-Landschaft bereichern würde.




„The Mummy's Purse“
Robert Poulter’s New Model Theatre

Schon der Titel spiegelt mit Wortwitz jenen Humor wider, für den Robert Poulter bekannt ist.
Es geht sowohl um den Fluch als auch tatsächlich um die Geldbörse einer ägyptischen Königin, deren Grab von zwei Archäologen entdeckt wird.
Die beiden streiten sich um den Ruhm der Entdeckung und der um seine Anerkennung Gebrachte entdeckt die Geldbörse eben jener Königin, die ohne Portemonnaie nicht weiter im Jenseits verweilen kann und die darum auch den Geldbeutel mit einem entsprechenden Fluch belegt hat.
Diesen Fluch verwendet der Archäologe gegen seinen Kontrahenten, denn aus dem Totenreich zurück und begleitet von drei Totengöttern sinnt die Königin auf Rache und Wiedererlangung der Geldbörse. Letztere wiederum wandert durch viele Hände und es entspannt sich auf Robert’ offener Bühne eine Hetzjagd um die halbe Welt, bei der jeder Inhaber der Geldbörse gewaltsam zu Tode kommt.
Die Jagd ist live zu erleben, denn die mehr als ein Dutzend Szenen rauschen in den gut 30 Minuten der Aufführung am Auge des Zuschauers nur so vorbei. Die Vorankündigung versprach einen „raschen“ Kulissenwechsel – „rasant“ trifft es eher, zumal der Umbau ohne Pause während des Stücks erfolgt.
Was an sich Stoff für den klassischen Horrorfilm wäre, wird bei Robert zu einer Komödie der besonderen Art. Es mischt sich typisch britischer Humor und Poulter’sche Wortgewalt zu einem Gesamtkunstwerk besonderer Güte, das mit Robert’s unvergleichlichen Pinselstrich in Figuren und Kulissen auch optisch zum Genuss wird.
Robert Poulter beherrscht sein Theater, bei dem auch nicht mit technischen Tricks von sich öffnenden Türen bis hin zu einem Flugzeug-Crash gespart wird, virtuos wie ein Musiker sein Instrument.
Als am Ende dann nach Irrungen und Wirrungen die Königin wieder ins Totenreich zurückgekehrt, ist die Welt wieder in Ordnung und um eine beeindruckende Papiertheater-Vorstellung reicher.




Zum ersten Mal beim Preetzer Treffen von Iris Förster

Diesmal mache ich es: Ich fahre 800 km weit in den Norden um mit dabei zu sein. Acht Aufführungen an zwei Tagen, viele Kontakte, nette Gespräche und zahlreiche Impulse und Anregungen für eigene Papiertheatervorführungen. Es hat sich gelohnt. Preetz, ich komme wieder!

„Die Nachtigall“
Joli's Papiertheater, Lise und Jochen Dybdahl-Müller, Vilsiburg

Hier soll ja ein höchst merkwürdiger Vogel sein, welcher Nachtigall genannt wird!
Wer kennt es nicht, das Märchen von Hans-Christian Andersen „Des Kaisers Nachtigall“: Der chinesische Kaiser hört den Gesang der Nachtigall, die schon lange in seinem Garten lebt, und der Gesang rührt ihn zu Tränen. Er holt die Nachtigall in seinen Palast und lässt sie in einem goldenen Käfig leben und morgens und abends in Begleitung des gesamten Hofstaats ausfliegen. Als der chinesische Kaiser vom japanischen Kaiser ein Paket bekommt, in dem er eine künstliche Nachtigall vorfindet, verliert er urplötzlich das Interesse an der echten Nachtigall und verweist sie des Landes. Erst in seinen schlimmsten Stunden, krank und dem Tod nahe, erinnert er sich wieder an den Vogel, der mit seinem wunderschönen Gesang den Tod vertreibt und dem Kaiser wieder zu wahrer Lebensfreude verhilft.
Lise und Jochen Dybdahl-Müller aus Vilsiburg in Niederbayern haben sich einen traditionellen Stoff vorgenommen und mit selbst entworfenen Figuren und Bühnenbildern umgesetzt. Seitlich des Theaters stehen rechts und links Paravents, die mit weißem Papier bespannt sind, so dass man die Bewegungen der Theaterspieler schemenhaft verfolgen kann. Die Texte werden zum Spiel gesprochen, leider ist bei der Premiere die Aufregung noch so groß, dass es zu einigen Versprechern kommt. Die Geschichte erschließt sich dem Zuschauer durchaus, wenn auch der Knackpunkt – das Verstoßen der Nachtigall durch den Kaiser - nicht deutlich genug herausgearbeitet wird. Umbaupausen wie auch das ganze Stück werden mit chinesischer Musik untermalt. Die Bühnenbilder wurden aus chinesischen Kunstbüchern mit Ansichten des Kaiserpalasts kopiert, die durchaus eine optische Wirkung erzielen. Allerdings fehlt es dem ganzen Stück (noch) an Fluss und Ausdruckskraft. Nun ist die erste Aufführung am Freitagabend sicherlich nicht der dankbarste Termin, den man sich beim Festival vorstellen kann. Die Spannung ist auf dem Höhepunkt, die Nerven liegen blank, das Publikum kommt ausgeruht und mit hohen Erwartungen. Erwartungen, die bei dieser Aufführung leider nicht immer erfüllt wurden.



Desierto Florido – Kunsthochschule Muthesius, Kiel

Was blüht denn da?
Für alte Hasen ist es ja immer wieder interessant, wie der Nachwuchs das Papiertheater interpretiert. Die Studenten der Muthesius Kunsthochschule in Kiel, Fachbereich Raumstrategien, haben sich unter Professor Dr. Ludwig Fromm in einem Semesterprojekt viel einfallen lassen: Sind da doch vier mehr oder weniger quirlige Wüstenbewohner, die sich mit witzigen Dialogen vom langweiligen Alltag abzulenken suchen und doch nur auf eines warten – auf Regen. Eines Tages sind sie des Wartens überdrüssig und werden selber aktiv: Sie graben Löcher und schauen den Wolken nach, sie machen sich auf die Suche nach dem Regen. Zunächst erfolglos und von gruppendynamischen Prozessen begleitet, letztlich regnet es jedoch stark und immer stärker und die Frage, die der Zuschauer sich am Ende des Stückes stellen muss, ist ob es die vier Kameraden waren, die den Regen hervorgerufen haben oder ob der Regen als Naturereignis zu werten ist. Das ist natürlich im Grunde einerlei, denn das Wesentliche ist die wunderbare Veränderung, die Wüste ist nicht mehr öd und grau, sie blüht in allen Farben.
Mit hohem technischen Aufwand, gesteuert von zwei Computern zeigen uns die Studenten, was heute möglich ist: Regentropfen, -fäden, -wände aus Glasfasersträngen mit einer eindrucksvollen Klangkulisse unterlegt. Lange Wüstenwanderungen an endlosen Kulissenbändern entlang, die durch die halbe Halle gezogen werden, prachtvolle Blütenkränze, die die Farbenpracht der Pflanzenwelt zum Ausdruck bringen. Es ist eindrucksvoll, diesem Schauspiel beiwohnen zu dürfen.
Und dennoch: Das Stück hat mich nicht wirklich begeistert. Die Charaktere haben mich nicht in den Bann gezogen, der Inhalt der Geschichte blieb auf der Strecke. Trotz (oder vielleicht gerade wegen) des großen technischen Aufwands blieb die Geschichte leblos. Leblos wie die Wüste vor dem Regen.

bilder von der "Eröffnung" des Treffens

Papiertheater

Chancen eines vermeintlich veralteten Mediums

von Uwe Warrach

Vor etwa 8 Jahren bekam die Redaktion der Zeitschrift PAPIERTHEATER, Vorgängerin dieser Zeitung, von dem Papiertheaterverein nahe stehenden Damen deren Arbeiten zum 2. Lehrerexamen: Alle drei hatten das Thema „Papiertheater“ gewählt, allerdings in verschiedenen Fächern und Altersstufen. Wir beschrieben in Nr. 23 von Dezember 2002, wie das Thema vielfältigen Anforderungen bei der Schulbildung offensichtlich gerecht wurde. Nun, im September 2011, erscheint im „Fachverlag für die Schule" des Dr. Josef Raabe Verlags in Stuttgart Unterrichtsmaterial für das Papiertheater: „Das Papiertheater – basteln, spielen und selbst inszenieren“ von Dr. Christoph Kunz, Rastatt. Es handelt sich dabei allerdings nicht um ein Buch, das im Buchhandel zu haben ist, sondern um eine Veröffentlichung im Rahmen der Loseblattsammlung "RAAbits Deutsch/Literatur". Dazu schreibt der Verlag: "Die ‚RAAbits Deutsch/Literatur’ sind eine abonnierbare Loseblattsammlung mit Unterrichtsvorschlägen und Lehrerhandreichungen für den Deutschunterricht am Gymnasium. Grundsätzlich sind die dort erscheinenden Unterrichtsmaterialien daher nur im Abonnement zu beziehen." Ausnahmen bilden jedoch ausgewählte Unterrichtsreihen, die in elektronischer Form, d.h. in der Regel als PDF-Dateien, auch von Nicht-Abonnenten einzeln erworben werden können; in dieser Form wird auch der Beitrag zum Thema "Papiertheater" ab Mitte Oktober angeboten, zum Preis von 20,30 Euro. Erhältlich sind die Materialien im Webshop des Raabe-Verlags auf der Seite http://deutsch-literatur.schule.raabe.de. Weitere Hinweise zu den RAAbits finden sich unter http://www.raabe.de.

„Chancen eines vermeintlich veralteten Mediums im Deutschunterricht“ – so überschreibt der Raabe-Verlag sein neues Produkt, und mir gefällt in diesem Zusammenhang gleich schon mal das Wort „vermeintlich“. Dieser Unterrichtstext sieht im Papiertheater durchaus das wieder Belebte, wenn nicht Neue.

In 8 bis 12 Stunden sollen damit die
Klassen 5 bis 7

• den Unterschied zwischen Epik und Drama kennen lernen
• ein Drama auf der Papiertheaterbühne inszenieren
• erzählende Texte für die Bühne umarbeiten
• Praxis und Begriffe des Theaterbetriebs kennen und anwenden
• eine Projektarbeit planen und ausführen.

Zusammengefasst: Das ist eine sehr beachtliche und wichtige Sache, nicht nur fürs Papiertheater und nicht nur für Kinder. Es stellt dar, was das Modelltheater auszeichnet: Nähe zur großen Bühne, Zusammenfinden aller „Gewerke“: Schreiben, Musizieren, Malen, Basteln, Sprechen, Spielen, Singen. Praktisch alle Kunstgattungen sind vertreten. Jeder kann nach seinem Talent in einer Gruppe mitmachen, und so kommt als weiteres Element die Auseinandersetzung, die gemeinsame Anstrengung und Leistung wird eingeübt, und es werden, wie es heißt, „auch Außenseiter integriert“. So wird alles in allem ein breites Lernspektrum geboten.




Das klingt schon anspruchsvoll, das Material ist es aber noch mehr, gleichwohl verständlich und klar aufgebaut. Die Texte führen systematisch und aufbauend zum Ziel. Zunächst erfährt man etwas über die Geschichte des Papiertheaters und seinen Platz in der Welt des Bürgertums bis hin zur aktuellen Entwicklung. Über dem Ganzen steht erkennbar die Absicht, spielerisch an Theater und Literatur heranzuführen und gleichzeitig die Kreativität zu wecken: Obwohl das Papiertheater gegenüber Fernsehen und Computer altertümlich wirke, biete es doch eine überraschende Anregung in der modernen Welt. Die Frage klingt an, ob die Pisa-Studien bei ihrer vorwiegend wirtschaftlich und Arbeitsmarkt bezogenen Art an sinnlich-ästhetischen Fähigkeiten vorbeigehen.

Ganz konkret werden sehr verschiedenartige Stoffe aufgerufen, wie der Räuber Hotzenplotz, Molières Eingebildeter Kranke, Das Käthchen von Heilbronn, Schillers Bürgschaft und Der Handschuh sowie eine Lügengeschichte von Münchhausen. Und sie werden bearbeitet:

Im Verlauf des Unterrichts wird man wahrscheinlich merken, dass man dem Vorbild des großen Theaters nahe gekommen ist, so wie eben das Modell dem Vorbild und Ziel. Einiges ist gewiss auf der Papiertheaterbühne leichter zu realisieren- da, wo das große Theater aus technischen oder Kostengründen auf das doch eher „unfilmische“ Berichten zurückgreifen muss, können wir hier verhältnismäßig mühelos Katastrophen, Gefechte, fliegende Menschen und allerlei Arten von Zauberei darstellen - man denke nur zum Beispiel an Robert Poulter’s Seeschlachten und dramatische Landschaften.

Der (zu kürzende) Klassiker wird ebenso präsentiert wie kürzere Stoffe; eine Papiertheateraufführung sollte ja möglichst nicht länger als 45 Minuten dauern, und da eine ganze Oper hineinzustopfen ist jedenfalls keine einfache Sache, aber fürs Publikum bestimmt angenehmer als wenn die volle „Überlänge“ gegeben würde. Wiederum ist es ein besonderes Erlebnis für die Macher, durch diese Arbeit ein Bühnenwerk so gründlich kennen zu lernen wie sonst kaum. Für den Anfang sind Schillers Balladen und Münchhausens Abenteuer nicht die schlechtesten Vorlagen, ebenso wie Märchen. Sehr hilfreich sind bei alledem hier auch die Anleitungen zum Bühnenbau.

Was DAS PAPIERTHEATER angeht, würden wir uns freuen, mal von praktischen Ergebnissen zu hören, wie übers Papiertheater „die Welt in die Klassenstube“ geholt wurde.

Ausschnitte aus der Loseblattsammlung