Das PapierTheater Nr. 18 – Oktober 2010

Editorial

Liebe Leserinnen und Leser,

der Sommer neigt sich dem Ende entgegen. Für die ersten stürmischen Oktobertage und Schmuddelwetter kann etwas Lektüre nicht schaden. Eine überquellende Webzeitung kann diese Bedürfnis hoffentlich zufriedenstellen.

Das 23. Preetzer Papiertheatertreffen ist vorüber. Grund genug eine Rückschau zu halten. Mit Willers Amtrup, Uwe Warrach und Norbert Neumann stehen 3 Rezensenten bereit, um dieses  erfolgreiche Wochenende noch einmal Revue passieren zu lassen.

Im zweiten Artikel schildert Dr. Roland Dreßler einen Tischtheater-Versuch in Freiberg und Döbeln (Mittelsachsen).

Einen Bericht von einer Semesterarbeit seines Sohnes Simon zum Thema "Vergessene Oasen" von Martin Haase zeigt einen modern Blick auf das Papiertheater.

Zuletzt gibt es noch von einem Wechsel des Webmasters für die Homepage des Vereins zu berichten.

Im Prostei-Museum in Schönberg ist noch bis Ende November eine Papiertheater-Ausstellung zu sehen. Damit Interessenten die letzten Wochen noch nützen können, haben wir einen kurzen Ausstellungsbericht nachgeschoben.

Viel Vergnügen bei der Lektüre!

(mf)

Festival

23. Preetzer Papiertheatertreffen 10. - 12. September 2010

Ein Festivalbericht von Willers Amtrup, Uwe Warrach und Norbert Neumann
Fotos: Uwe Warrach und Martin Fischer 

1600 verkaufte Karten = 99-120 % Platzauslastung vermeldete Marlis Sennewald bei der Eröffnung und wagte einen Vergleich mit dem Schleswig- Holstein-Festival, das nur 88 % zu bieten hatte (allerdings auch ein paar Zuschauer mehr) und mit den Kahlschlägen im sonstigen Kulturleben Schleswig-Holsteins. Denn in unseren "vergessenen Oasen" (so das Thema einer Examensarbeit übers Papiertheater), auf Preetzer Gassen und Plätzen herrschte ein Trubel, der sogar einige Preetzer auf das Ereignis in ihren Stadtmauern aufmerksam machte.  
Dass wieder alles perfekt klappte, ist vor allem Marlis Sennewald, Dirk Reimers und ihren vielen Helferinnen und Helfern zu danken, die auch noch jedes Mal das zusätzliche Opfer bringen, nur eine kleine Auswahl Stücke sehen zu können. Leider hat auch kein noch so fleißiger Zuschauer die Chance, alle zu besuchen. Deshalb freuen sich die Berichterstatter für Verpasstes etwas nachliefern zu können, und zwar Willers Amtrup und Uwe Warrach für jeweils zehn Aufführungen, Norbert Neumann für eine weitere, so dass alle 16 Vorstellungen zu Wort kommen, einige sogar unter verschiedenen Blickwinkeln.
Dazu haben wir einige Akteur/innen beim Vor-und Nachbereiten beobachtet.

Geistererscheinungen in Preetz
von Willers Amtrup

Sechzehn teilnehmende Bühnen, siebzig verschiedene Vorstellungen, fünf externe Spielstätten - man bräuchte logistische Unterstützung, um dieser Angebotsfülle auch nur einigermaßen gerecht zu werden und zwischendurch wenigstens etwas Zeit zu finden für Gespräche mit alten Freunden und neuen Bekannten; denn darauf hat man sich ja mindestens ebenso sehr gefreut wie auf die Vorstellungen. Und auch sonst wäre ein bißchen Beistand nicht schlecht, weil in Preetz in diesem Jahr Ritter, Tod und Teufel sowie allerhand weitere Geister ihr Wesen resp. Unwesen trieben.



Ich hangele mich bei meinem Bericht wie üblich an meiner zeitlichen Abfolge entlang und beginne mit "Sarah's Papertheatre", einem echten Familientheater der Tochter Sarah und der Eltern Sylvia und Peter Peasgood. Sie spielten "Krazy Kat" eine auf Comics von George Harriman aus dem Jahre 1936 basierende Episodengeschichte um eine Katze, die sich in einen Mäuserich verliebt, der wiederum mit Ziegelsteinen nach ihr wirft, deshalb von den Polizisten Offissa Pup, einem Hund, ins Gefängnis geworfen und daraus wieder befreit wird; zu diesem guten Ende vereinen sich alle im Gesang, begleitet von Krazy Kat (alias Peter Peasgood) auf dem Banjo.



Letzterer präsentierte nach der Vorstellung die Vorlagen für Dekorationen und Figurinen - vergleichsweise winzige Zeichnungen, die von Sarah Peasgood überaus gelungen nicht bloß vergrößert, sondern zugleich stilisiert und zu einem stimmigen Ganzen komponiert worden waren. Schon die gut ausgeleuchteten, häufig dreidimensionalen Dekorationen, die im Hintergrund jeweils von Peter Peasgood auf einer vierfach geteilten Drehbühne aufgebaut wurden, hatten einen mehrfach surrealen Charme - ich denke z.B. an die Mausefalle, die im Stück als echtes Gefängnis auftaucht. Alle Figuren wirkten ausgesprochen skurril, waren mit beweglichen Köpfen und Gliedern versehen und konnten so äußerst lebendig agieren. Die Handlung hatte Witz, eine niemals übersteigerte Dramatik und wurde von Sarah und Sylvia Peasgood live - allerdings manchmal ein wenig überzogen - gestaltet. Alles in allem ein sehr gelungener Auftakt für mich.




Die nächste Vorstellung, "Robin Hood - New Adventures", dargeboten vom "Camara Theatrum" mit Frits und Gerda de Nooijer ist optisch noch stärker eine vollkommene Eigenproduktion, denn Frits de Nooijer, ein niederländischer Maler und Zeichner, hat sämtliche Dekorationen und Figurinen gekonnt selbst entworfen und sich dabei penibel an historische Abbildungen gehalten. Das ergibt stimmungsvolle Tableaus, macht es bei der Fülle der auftretenden Personen manchmal aber etwas schwierig, die jeweils agierenden auseinanderzuhalten.



Auch die Handlung ist selbst erfunden: Robin Hood und seine Freunde werden im Wald von Räubern überfallen, können sich befreien, werden bald darauf auf einer Burg von feindlichen Truppen belagert, kämpfen später unter der Erde erfolgreich um einen dort verborgenen Schatz und überbringen diesen einem Erzbischof, der damit den gefangenen König Richard Löwenherz freikaufen soll. Dieses dramatische Geschehen wird mit vielen beweglichen Figuren lebhaft dargestellt; auch Klappfiguren nach englischem Vorbild werden mehrfach verwandt. Beweglich sind natürlich auch die auftauchenden Fuhrwerke, weiter Wurfmaschinen für die Belagerung und anderes mehr. Leider aber ist der Bühnenausschnitt ziemlich eng, und es sind wichtige Dekorationen - z.B. das brennende Schloß - teilweise so tief im Bühnenhintergrund aufgestellt, daß sie nur von wenigen Zuschauern wirklich gesehen werden konnten; der Bühnenausschnitt könnte mit Gewinn vergrößert werden.



Und auch das streckenweise etwas einfache Libretto bedürfte der Verbesserung. Insgesamt aber eine zweifellos lohnende Vorstellung.

Man könnte meinen, daß gegenüber solch professioneller Kunst schlichtere Präsentationen hoffnungslos abfallen müßten. Das Gegenteil bewies bald darauf Winnie Deichmann Ebert von "Amager-Scenen" mit ihrer "Geschichte einer Mutter" von Hans Christian Andersen. Wie die Spielerin eingangs ausdrücklich hervorhob, handelt es sich entgegen der Ankündigung nicht um ein Märchen, sondern um ein Stück aus den "Geschichten" Andersens. Ihr Inhalt ist bald erzählt: Während eine Mutter bei der Wache neben ihrem schwerkranken Kind kurz einschläft, wird dieses vom Tod geholt. Die Mutter macht sich verzweifelt auf die Suche nach dem verschwundenen Kind und fragt nacheinander die Nacht, einen Dornenbusch, einen See, eine Gärtnerin nach dem Weg, muß für die Auskunft jeweils teuer u.a. mit ihren Augen und ihrem Blut bezahlen und findet schließlich den Tod in Gestalt eines Hüters über ein riesiges Gewächshaus, in welchem alle Bäume und Blumen menschliches Leben repräsentieren. Als sie ihm droht, zwei dieser Blumen, darunter die ihres Kindes, einfach auszureißen, zeigt ihr der Tod das zukünftige Schicksal dieser zwei Menschen im Falle des Weiterlebens. Die Mutter erkennt, daß ihrem Kind nichts als Elend bevorstehen könnte, und überläßt Gott die Entscheidung über die Zukunft. Diese Geschichte wird von der Spielerin live sehr eindrucksvoll und einfühlsam erzählt, während sie ohne Pause die meist dänischen Dekorationen wechselt und die Figuren - mehrfach Dreh- bzw. Klappfiguren -  agieren läßt. Besonders schön gelungen ist die nach einem Foto gestaltete Schlußdekoration des Pflanzengartens. Ich habe keinen Zuschauer getroffen, der diese schlichte Vorstellung nicht ebenso wie ich als besonders anrührend empfunden hätte.




Die nächste Vorstellung brachte für mich einen der Höhepunkte des diesjährigen Treffens, das "Wiener Papiertheater" mit Kamilla und Gert Strauss sowie Manfred Heller. Sie spielten "Der Bauer als Millionär - oder das Mädchen aus der Feenwelt", ein "romantisches Original-Zaubermärchen" mit Musik von Ferdinand Raimund aus dem Jahre 1826, zu dem Trentsensky im selben Jahr ein Großes Theater und Figurinen von Schwind herausbrachte. Die Handlung ist einigermaßen kompliziert und kann deshalb hier nur angedeutet werden: Lottchen, die Tochter der Fee Lakrimosa, muß auf Geheiß der mächtigen Feenkönigin einen armen Menschen-Mann heiraten und wird deshalb dem armen Waldbauern Fortunatus Wurzel übergeben, der sie verheiraten soll. In Betracht kommt der arme Fischer Karl, doch wird die Verbindung aus verschiedenen Gründen von den Geistern Neid und Hass - beide im Personenverzeichnis des Stückes als "Milchbrüder" gekennzeichnet - hintertrieben, die zunächst Wurzel, dann Karl steinreich werden lassen, so daß aus Lottchens Heirat mit einem armen Mann nichts mehr zu werden scheint. Erst als der Magier Ajaxerle aus Donau-Eschingen und der Geist Zufriedenheit ihr mit allerlei Zauberei zu Hilfe kommen, erkennen die beiden Krösusse, daß Geld allein nicht glücklich macht, verzichten darauf und machen so den Weg frei für die Heirat. Natürlich werden anschließend sowohl Wurzel wie Karl für ihre Einsicht belohnt, wenn auch in geringerem Umfang als zuvor. Dieses Zaubermärchen ist wirklich zauberhaft auf die kleine Bühne gebracht worden. Die Spieler verwenden traditionelle Vorlagen - oft von Trentsensky - für ihre Dekorationen und Figurinen - aber was sie daraus machen, ist überaus modern. Da wabern Nebelschwaden über die Bühne, glitzern Lichter an winzigen, beweglichen Leuchtern, erscheinen Geister bei Blitz und Donner als Projektionen, fällt virtueller Schnee, verwandeln sich Fenster in Fernseher. Die Ausleuchtung, u.a. mehrfach durch Spots,  ist stimmig und absolut synchron zur Handlung. Akustisch wird die Aufführung bestimmt durch eine alte Hörspielaufnahme des ORF von 1955 mit viel Musik - ich verstand den Text zwar gelegentlich so wenig wie bei anderer Gelegenheit das "Franzenglish" (ich will ja keine Namen nennen), aber die wienerische Atmosphäre war damit perfekt eingefangen. Begeisterter Applaus.





Und noch einmal das Thema "Geld macht nicht glücklich": "Baldi's Papiertheater" aus der Schweiz, bestehend aus Adolf Baldinger und drei weiteren Mitstreitern, brachte "Die Geschichte vom Soldaten" auf die Bühne, ein Stück von Igor Strawinsky und dem Schweizer Autor Charles Ramuz: Ein Soldat, auf Heimaturlaub auf dem Wege nach Hause, tauscht seine Geige - seine Seele - gegen ein Zauberbuch ein, das ihm unermeßlichen Reichtum beschert. Erst später bemerkt er, daß er ein Geschäft mit dem Teufel getätigt hat, der ihm außerdem nur noch einen einzigen Besuch in seiner Heimat gestattet. Der Soldat wird tatsächlich reich und reicher, wird aber ständig unglücklicher, zerreißt das Buch und eine als Ersatz gekaufte falsche Geige, gewinnt dann durch eine List seine alte Geige zurück, heilt (und heiratet) mit ihrem Ton eine Prinzessin und verfällt schließlich doch dem Teufel, weil er vor lauter Heimweh sein Dorf zu besuchen versucht und dadurch das unverändert gültige Verbot verletzt. Diese "Geschichte" ist als Stück für das Papiertheater etwas heikel, denn sie wurde von den beiden Autoren in schlechter Zeit - nämlich 1918 - speziell für ein kleines Ensemble einer Wanderbühne geschaffen und sollte deshalb mit einem minimalen Aufwand von Schauspielern auskommen. In der Konsequenz sollte der meist gereimte Text teils von einem Vorleser zur Musik rhythmisch deklamiert, teils von ihm und den Schauspielern zum Geschehen auf der Bühne gesprochen werden. Zitat Ramuz: "Die Erzählung und damit der Vorleser stehen im Vordergrund. (Er) muß ... die Handlung vermitteln ... und das ganze Szenenbild sichtbar machen, schon bevor Personen und Szenenbild da sind..."



Die Folge ist ein etwas zwiespältiger Eindruck dieser Aufführung: Während teilweise längere Passagen der Handlung bei geschlossener Bühne nur vom Erzähler vorgetragen werden, ist das, was sich dann auf geöffneter Bühne tut, absolut überzeugend. Die von Baldinger entworfenen Dekorationen sind mehrfach eindrucksvoll - besonders gelungen der Rollhorizont im 2. Bild und der Teufelsrachen am Schluß - , fast alle Figurinen sind beweglich gestaltet, etliche Szenen hätte man länger oder wiederholt sehen mögen - ich denke an das fliegende Pferdefuhrwerk des Teufels, Soldat und Teufel beim Kartenspielen und den tanzenden Teufel im Zimmer der Prinzessin. Eine schöne Aufführung, die aber noch schöner werden könnte, wenn man noch mehr von der Erzählung wirklich als Spielhandlung zeigen würde.

Auf die dezenten Anzüglichkeiten von Valerie und Michael Nelson mit ihrem "Little Blue Moon Theatre" freut man sich nun schon einige Jahre jedesmal aufs Neue. Diesmal präsentierten sie "Roman Reveries", Episoden einer Italienreise eines jungen Paares, die sich zu einer Mixtur aus Realität und Wunsch- bzw. Albträumen entwickelt. Köstlich schon der Beginn, wenn man das Paar am Tisch eines Straßencafés in Venedig - wo sonst ?- in vier rasch wechselnden Bildern so lange streiten sieht, bis die junge Dame wutentbrannt wegläuft. Ihr geschieht dann in der Folgezeit auch das meiste: Unvorsichtigerweise hängt sie ihre Kleidung vor einem Bade an einen Haken, der sich als Teil eines Hirschgeweihs entpuppt und natürlich bald auf Nimmerwiedersehen entschwindet. Aber auch der Jüngling bleibt nicht lange bekleidet, und beide erleben dann getrennt alle möglichen erotischen Abenteuer, bis sie die Stadt am Ende gemeinsam wieder verlassen. Die junge Lady wird von römischen Legionären gejagt, weibliche Zentauren "kümmern" sich um den Jungen, der bald darauf von vier nackten Damen davongetragen wird. Neptun erscheint, ein römischer Adliger vernascht die Lady hinter den Kulissen so energisch, daß die ganze Bühne wackelt, Leda mit dem Schwan wird zitiert, alle Beteiligten präsentieren erotische Akrobatik der Spitzenklasse. Das alles ist wie gewohnt in Dekoration und Figurinen höchst witzig selbst entworfen. Dabei wird außer der begleitenden Musik praktisch kein Wort gesprochen - gegen Ende aber singt Valerie Nelson zwei Arien von Puccini, sehr, sehr schön. Insgesamt wieder eine sehr gelungene Vorstellung - allerdings trauere ich den früher erzählten geschlosseneren Geschichten im Vergleich zu den italienischen Episoden etwas nach.

Die nächste Vorstellung war für Puristen sicher ein wenig gewöhnungsbedürftig - ich selbst empfand sie als einen weiteren Höhepunkt dieses Treffens. Die Rede ist von den "Farben des Südens" mit "Haases Papiertheater". Schon die "Bühne" ist ungewöhnlich: eine Staffelei mit einem zunächst schwarz verhängten goldenen Bilderrahmen, in welchem während des Spiels acht verschiedene Bilder Vincent van Goghs erscheinen, durch die der Lebensweg des Malers vom Beginn seiner Berufung als Maler bis zu seinem Tod dargestellt wird. Alle diese Bilder - darunter die berühmte Zugbrücke und das gelbe Haus bei bzw. in Arles, die Fischerboote am Strand und die nächtlichen Sternenwirbel über den silhouettenhaften Zypressen - sind zunächst nur zweidimensional sichtbar, verwandeln sich aber in dreidimensionale Landschaften, in denen ein Pferdefuhrwerk über die Zugbrücke fährt, Wäscherinnen tatsächlich waschen und Wäsche auswringen, Bahnen und Schiffe sich bewegen und im Schlußbild der (allerdings im Original nicht hierhin gehörende) Maler selbst durch das Kornfeld wandert. Möglich wird das dadurch, daß die einzelnen Gemälde mit Hilfe des Computers in verschiedene Ebenen zerlegt worden sind, die anfangs eng aufeinanderliegen, dann aber wie eine Ziehharmonika auseinandergezogen werden und ihre räumliche Wirkung entfalten. Das wirkt bei der ersten Verwandlung echt verblüffend, ist aber auch bei allen folgenden Bildern so raffiniert gemacht, daß man immer wieder innerlich Beifall klatscht. Im Verlauf der Vorstellung schildert Sieglinde Haase den Lebensweg von Goghs und baut dann anschließend die "Bühne" um, während Martin Haase aus Briefen des Malers an seinen Bruder Theo vorliest und stimmungsvoll Gitarre spielt. Nicht zu vergessen eine gute Lichtregie und mit einfachsten Mitteln erzeugte Geräusche - eine beeindruckende Vorstellung!




Als nächstes bot Per Brink Abrahamsen von "Svalegangens Dukketeater" sein Stück "Heloise" ("Die Heldin") nach einer Geschichte von Karen (Tanja) Blixen dar. Das Geschehen beginnt in Berlin im Jahre 1870 kurz vor dem Ausbruch des deutsch-französischen Krieges und zeigt zunächst einen französischen Theologiestudenten, der im Museum außer religiösen Bildern auch Darstellungen nackter Frauen, darunter der Venus, entdeckt, dann wegen des Kriegsausbruchs schleunigst nach Frankreich zurückwill, aber in Saarburg hängenbleibt und dort zusammen mit einer großen Gruppe von Leidensgenossen von einem deutschen Offizier unter Spionageverdacht arretiert werden soll. Dem soll die Gruppe nur dann entgehen können, wenn eine gerade angekommene französische Witwe namens Heloise sich bereiterklärt, im Kostüm der Venus (hier ist der rote bzw. nackte Faden der Geschichte) alle Pässe einzusammeln und dem Offizier zu überbringen. Heloise ist zwar bereit dazu, überläßt die Entscheidung aber der Gruppe, die das Ansinnen entrüstet ablehnt und den Offizier dadurch so beeindruckt, daß er alle laufen läßt. Jahre später trifft der Student in Paris erneut auf Heloise, die nun im Venuskostüm in einem Varieté-Theater auftritt. Per Brink Abrahamsen hat dieses Stück mit Dekorationen und Figuren von Frits Moeller zunächst in Aarhus mit einem dänischen Soundtrack aufgeführt und legte nunmehr in Preetz über diesen im Hintergrund weiter hörbaren Text die Erzählung einer Sprecherin in deutscher Sprache. Die einzelnen Akteure wurden dadurch nicht besonders hervorgehoben, und entsprechend sparsam gestaltete Abrahamsen die Figurenführung. Wie immer perfekt die Gestaltung der Bühne und die Lichtregie, u.a. mit einem überaus gelungenen Gewitter.




Ich bin kein Papiertheater-Purist und scheue mich deshalb nicht, der nächsten Vorstellung, die ich sah, den "Goldenen Schuh" - oder wie kann man in der Schusterstadt Preetz den ersten Preis sonst nennen? - zuzuerkennen. Die Rede ist von "Panteón de Fiesta" der aus absoluten Profis bestehenden mexikanischen Gruppe "Facto Teatro". Ihr Stück ist rasch erzählt und doch so vielschichtig, daß man sehr viel mehr dazu sagen müßte. Im Kern geht es um die aus der Mythologie eines mexikanischen Volksstammes stammende Reise des verstorbenen Procopio an den Ort der letzten Ruhe, eine Reise, auf der er zahlreiche Gefahren - einstürzende Gebirge, schreckliche Eidechsen, Krokodile, eisige Winde mit fliegenden Messern - bestehen und außerdem überhaupt erst begreifen muß, daß er tot ist, damit er in der Konsequenz den Sinn des Lebens begreift. Die Gruppe stellte sich zunächst kurz vor, beweinte anschließend herzerweichend Procopios Tod, erschien dann in in einer Prozession mit indianischem Federschmuck und agierte anschließend in dem für diese Vorstellung besonders geeigneten Speicher-Spielort  in der Weise, daß zwei Schauspieler im Zentrum der Aktion auftraten und zwei Musiker mit Gitarre und einer kleinen Harfe spielend und singend das Geschehen sowohl begleiteten wie vorantrieben. Die beiden Schauspieler waren jederzeit voll sichtbar, brachten sich selber ständig in die Handlung ein, benutzten teilweise eine Bühne mit einem mit Totenköpfen verzierten Proszenium, in dem sie von oben mit ihren Figuren spielten, veränderten aber ständig die Art der Darstellung und ließen bei aller Professionalität eine Spielfreude erkennen, die begeisterte. Da gab es Geistererscheinungen, eine geheimnisvoll ausgeleuchtete Höhle, fliegende Schwerter, ein als Schattenspiel gestaltetes Krokodil, das intensiv redete, ein überaus erheiterndes Trinkgelage und schließlich einen Nackthund, die nach dem Einführungstext "sowohl als Haus- und Wachtier, aber auch als Nahrung sehr beliebt" waren. Hier war  manches gewiß kein Papiertheater im hergebrachten Sinne, aber ich finde solchen Aufbruch zu neuen Ufern unbedingt positiv, zumal wenn er in einem so perfekten Zusammenspiel dargeboten wird wie von den vier Mitgliedern der Gruppe. Rauschender Beifall.

Mein letzter Besuch galt einem weiteren Höhepunkt dieses Treffens, "Robert Poulter's New Model Theatre" mit "Valsha, die Sklavenkönigin". Poulter hatte sich dabei ein Melodram des 19. Jh. ausgesucht, eine verworrene Geschichte - very british -, die ihm Gelegenheit zu lebhafter Aktion und ständigem Wechsel von Schauplätzen und Positionen der Akteure bot. Das ganze spielt im "alten" Prag, wo alle Frauen der besiegten Völker versklavt sind, aber ihren Herren heiraten können. Der verwitwete König Przemislaus hat seiner Sklavin Valsha die Ehe versprochen, macht aber einen Rückzieher, dankt ab und übergibt die Krone seinem Sohn Ludgar. Valsha zettelt daraufhin einen Aufstand der Sklaven an, bedient sich dabei der Hilfe des geheimnisvollen, finsteren Graff, besiegt Ludgar, wird Königin, dann wieder abgesetzt und schließlich von Graff als Vollstrecker eines Todesurteils dadurch getötet, daß er sie vom Burgturm in die Tiefe wirft - nach dem Einführungstext Poulters "die (damals) beliebteste Form der Hinrichtung". Wie sich anschließend herausstellt, war er der von König Przemislaus gezeugte uneheliche Sohn Valshas.
Diese schauerliche Geschichte erlebte ihre Uraufführung 1837 im Adelphi Theatre in London, wobei der Schauspieler O. Smith den Graff darstellte - ich erinnere daran, daß Poulter und Peter Baldwin vor 3 Jahren ein hinreißendes Portrait dieses als "König des Schreckens" populären britischen Schauspielers präsentiert hatten. Daß Robert Poulter aber gerade auch als Alleinunterhalter absolute Spitze ist, brauche ich nicht weiter zu betonen - ich kann mich jahrein, jahraus immer nur wiederholen. Auch diesmal gab es seine rasanten Szenenwechsel, seinen abwechslungsreichen Drehhorizont, gab es mehrfach veränderte Bühnenausschnitte, Aktionen auf 2 Ebenen, turbulente Massenszenen und wiederholt ein Geschehen, bei dem innerhalb kürzester Zeit Figuren in vier bis fünf verschieden Posen auftraten - das macht ihm niemand nach! Beeindruckend am Schluß die Turmkulisse. Das Publikum war begeistert - und ich auch!
Wie schon früher einmal schließe ich mit dem abgewandelten Gruß: "Nächstes Jahr in Preetz"!


Lebendige Oase
von Uwe Warrach




Ein "Licht im Winter":
Tripp Trapp Troll / Teater Buffa, Marianne Castegren und Schwestern, Schweden
Da sitzen an einem Winternachmittag drei Schwedinnen in ihrem Haus beim Kaffee, es ist längst dunkel draußen, und sie singen und spielen für ihre oder für Nachbarskinder mit Figuren und Bildern ein Märchen - das war meine Assoziation bei Tripp Trapp Troll. Zur Überbrückung der Wartezeit vor Beginn wird üblicherweise das Publikum zu Kanons eingeteilt. Endlich öffnet sich die Bühne, und zwar weiter als andere und für relativ große Figurinen. Im Mittelpunkt der Geschichte stehen wieder einmal Kinder. Ein anrührendes Abenteuer aus alter Zeit: Drei kleine Mädchen warten auf die Rückkehr ihres Vaters, eines Ritters, der ausgezogen ist, den bösen Riesen zur Strecke zu bringen, der alle Menschen, die ihn ansehen, in Stein verwandelt. Auch die Mädchen verkürzen sich die Wartezeit; sie stricken Strümpfe, und weil es so lange dauert, hängen die Strümpfe schon über den Bühnenrand, als die Kinder sich aufmachen, ihr Versprechen zu erfüllen und ihren Vater zu retten. Auf der gefährlichen Reise begleitet sie der Gesang der drei Spielerinnen. Das ist schön und schlicht gestaltet, mit einem Schuss Ironie, besonders bei den martialischen männlichen Auftritten. Heiter und ohne jeden Perfektionsanspruch- eben wie an einem Winternachmittag in behaglichem Zuhause. Sehr großer Beifall.




Theater in der Unterwelt:
Panteón de Fiesta / Facto Teatro, Mercedes Gómez u.a., Mexiko
Mit meinem deutschen Gemüt kam ich mir etwas schwerfällig vor bei diesem Fest für Augen und Ohren, ungefähr wie ein Fremder, der unversehens auf einem Markt oder Bazar im Süden aufwacht. Eine Dame, zeitweise an der Harfe, drei Herren, zeitweise an Gitarre und Geige, mit viel Gesang, Klängen und Rhythmen, die mich an die Inka- Gesangsgruppen in den Fußgängerzonen erinnerten. Mittendrin unterbrechen und beraten die Akteure einander, streiten und feilschen wohl auch, was ich aber nicht verstehen konnte, weil sie Spanisch sprechen. Schade um etliche Pointen. Es ist aber eigentlich ein Musical, heiter, temperamentvoll, südamerikanisch. Jedoch: Auf dem Proszenium steht ein Kreuz, als wolle es respektloses Umspringen mit der Religion in seine Schranken weisen. Dabei ist diese sogar eine Stufe tiefer angesiedelt, nämlich in der Mythologie, die vor den Spaniern da war und die dem Plot zugrunde liegt. Eine fürchterliche Geschichte im Grunde, die da abrollt: eine Art mexikanisches Fegefeuer, der Gang eines Toten durch die mystische Unterwelt des alten Mexiko. Die berüchtigte Schädelpyramide der Menschenopfer aus vorkolonialistischer Zeit fehlt ebenso wenig wie das Fürstentum der Finsternis. Die 40 Minuten vergehen im Nu, langer, starker Applaus. Kein Wunder, dass es sehr mühevoll war, diese Gruppe für Preetz zu buchen.

Schwüles Fantasien:
Roman Reveries / Little Blue Moon Theatre, Valerie und Michael Nelson, USA
Dieses Unternehmen aus Kalifornien hat immer Erotik im Gepäck. So war das Gewackel der Bühne keine Panne, sondern achtersinnige Berechnung. Ein leicht missgestimmtes Touri- Pärchen der Überflussgesellschaft kommt nach Rom und verliert sich in Phantasien altrömischer Dekadenz (die unsereinem ja neuerdings auch nachgesagt wird). SIE badet nackt im See einer Art Tivoli-Landschaft, und wir lachen noch darüber, dass ihr Kleiderständer, ein Hirschgeweih, mit seinem Träger und ihrer Wäsche davon marschiert. Da wechselt die Szenerie zu den Blutorgien im Kolosseum, denen wir durch ein Guckloch zusehen. Ab und an wird der Leichnam eines Gladiators vorbei getragen, manchmal auch ein toter Löwe. Erleichtert finden sich Protagonisten und Publikum in der Gegenwart wieder. Alles ohne Worte und mit schöner Musik, darin Puccini live gesungen von Valerie Nelson- ein extra Bravo!




Er ist der Kleinste, jedoch:
Ich bin der Stärkste im ganzen Land / Hellriegels Junior - Willem Klemmer, Gerlinde Holland, Kiel
Auf seinem T-Shirt steht es wie ein vorsorglicher Protest gegen entzückte Senior/innnen: "Ich bin nicht süß." Denn er ist deutlich jünger als sein Publikum, der jüngste Spieler der Saison, der 8jährige Willem Klemmer, der, begleitet von seiner Großmutter Gerlinde Holland, sein Debüt gab.



Der Enkel des unvergessenen Papiertheaterspielers (und Rundfunksprechers) Heinz Holland (+ 2001) wurde geboren, als sein Großvater starb und eifert ihm nach. Er bedient geübt, ruhig und besonnen die kleine, selbstgebaute Bühne und spricht die Rollen der verschiedenen Tiere, vor denen sich der Wolf mit seiner Stärke brüstet, klar und mit passenden Stimmen und Betonungen. Souverän, aber bescheiden, freut er sich über den starken, ungeschmeichelten Beifall. Ich verspreche, ihn nicht wieder "süß" zu nennen.




Zaubermärchen, computergesteuert:
Der Bauer als Millionär / Wiener Papiertheater, Kamilla und Gert Strauss
Beim Wiener Papiertheater ist wie immer alles super-perfekt: klassische Kulissen, Effekte der großen Oper mit Nebel und Feuer, der reine Klang der Musik, die exakten Bewegungen der Figurinen, die Dramaturgie. Sogar der ungeplante, um die Mittagszeit durch ein Loch in der Dachfensterverkleidung einbrechende Sonnenstrahl, von der erschrockenen Direktion als Panne bedauert, gibt zusätzlichen Glanz von oben. Sehr starker Beifall; auch später, zwischen anderen Aufführungen, hörte ich viel Lob für das computergesteuerte romantische Zaubermärchen von Ferdinand Raimund. Bei soviel Lob wird man auch etwas granteln dürfen: Für 70 Minuten ohne Pause braucht es einen Spannungsbogen, den das Papiertheater kaum tragen kann; auch deshalb wohl halten sich fast alle Bühnen an die 45-Minuten-Vorgabe.


Auch ein "Prager Pitaval":
Valsha, the Slave Queen / Robert Poulter's New Model Theatre, Großbritannien
Robert Poulter ist für mich der unbestrittene und unerreichte Virtuose, der "Titan des toy theatre", wie sie ihn auf den Britischen Inseln nennen. Seine Kulissen und Figurinen wie immer selbst gemacht, passen zu- und aufeinander - ach was, sie rasen oder schleichen wie lebendige Gestalten durch ihre scharf gezeichneten Welten. Fast geht dabei unter, dass Poulter ein ausgezeichnetes Gespür für passende Musikpassagen hat, die er sonst wo her holt. Zu der Geschichte wird gleich erklärt, was man wissen müsse: dass im alten Prag die beliebteste Form der Hinrichtung das Werfen der Delinquenten von Türmen war, wohl eine Vorstufe des Fenstersturzes. Alle geraubten Frauen seien Sklavinnen auf Lebenszeit gewesen, es sei denn, jemand fand sich, sie zu ehelichen. Die Königin ist tot, König Premislaus will wieder heiraten- eine Sklavin. Nun geht es los mit Intrigen, Selbstmord und Totschlag, und auf der Bühne tobt das (sofern verschonte) Leben, ebenso über der Bühne, von wo Robert Poulter Kulissenteile und Figuren schiebt, wirft und stapelt. Schweißüberströmt verbeugt er sich und lädt zum Blick hinter die Bühne ein. Jedes mal glaube ich es nicht, dass von diesem kleinen Kartonhaus mit simplen Lampen und Gerät so viel Illusion ausgehen kann.




"Spoons, spoons, spoons!":
The Miller and his men / Paperplays Puppet Theatre, Joe Gladwin, Großbritannien
An Virtuosität auf der Bühne steht Joe Gladwin seinem Landsmann Robert Poulter nicht nach. Aber ihm ist sie noch zu eng, er tanzt, springt und singt um sie herum und mit den Figurinen um die Wette, hat zumindest so viel Spaß an seinem Spiel wie sein Publikum. Doch auch historische Originalität ist ihm wichtig: Figurinen und Kulissen sind nach der Aufführung im Haymarket Theatre von 1861 gestaltet. Das wohl berühmteste britische Papiertheaterwerk handelt von Liebe, Räubern, Entführung, offenem Kampf aufs Schwert (eine Zuschauerin erhält den Auftrag, für die Geräuschkulisse mit zwei Esslöffeln zu klappern, nach der Regieanweisung: "Spoons, spoons, spoons!") und am Ende explodiert eine Windmühle, heikelster Moment der auf Feuer und Wasser allergisch reagierenden Bühnen.



Auf der Strecke durch die beiden Jahrhunderte seiner Existenz hat dieses Stück schon einige Zimmerbrände hinterlassen. Deshalb freut man sich auch immer besonders auf das Finale. Joe Gladwin verzichtet auf jegliche Kokelei, begnügt sich indessen nicht mit einer auf Pappe gemalten Sprengung, sondern blendet uns unter passendem Lärm mit einer Taschenlampe, bevor der Vorhang fällt.




Überhaupt kein Märchen:
Das Kaisers neue ... / Papiertheater Pollidor, Dirk und Barbara Reimers, Preetz
... Kleider, denkt man, und das ist auch richtig, aber der Kaiser ist diesmal ein gelangweilter, wahrscheinlich schwuler Modezar, der im Wellnessbad weilt und alle Kleidermodelle, die man ihm vorführt, gräääääßlich findet. Bis zwei Weber auftauchen, die eine Kreation versprechen, die alles bisher da Gewesene in den Schatten stellt, oder besser: ins Licht, denn sie sei nur sichtbar für absolut ehrliche, gute Menschen. Also für niemand anderen als ihn selbst, denkt jeder nun und glaubt einen Hauch von Stoff zu sehen, zart wie der Flügelschlag eines Schmetterlings, in Wahrheit: nichts. Die Weber umgarnen den Modeschöpfer mit der Phrasendrescherei modernen Hausierertums aus Wirtschaft und Politik. Auch wenn man schon ahnt, wie es ausgeht und wer am Ende bloß gestellt ist - Andersens Märchen führt uns geradewegs in die Wirklichkeit von 2010. Barbara und Dirk Reimers verstehen es, die verschiedenen Rollen - wie immer live - deutlich unterscheidbar zu sprechen und sparen - auch wie immer - nicht an Ironie.



Zärtlich und schmerzend:
Die Geschichte einer Mutter / Amager-Scenen, Winnie Deichmann Ebert, Dänemark
Dies hat mich nun so ergriffen, wie es dem Papiertheater selten gelingt. Aber hier spürt man sofort die Liebe zum Metier und zu der Geschichte: Eine Mutter verliert ihr Kind, sucht es überall, nicht ahnend, dass der alte Mann, der es am Krankenbett besuchte und den sie sogar bewirten wollte, der Tod war. Es endet, wie so oft bei Hans Christian Andersen, durchaus nicht happy, eigentlich sogar fast ohne Trost. Die Bilder des Bauernhauses, des Winterwaldes und des Gartens der Menschenherzen erinnern an Fotos aus dem 19. Jahrhundert und haben eine Tiefe, die man sich bei der anschließenden Besichtigung der engen Bühne gar nicht erklären kann. Winnie Deichmann Eberts bescheidenes Auftreten und ihr dänischer Akzent des live gesprochenen deutschen Textes nehmen ein wenig von der bitteren Härte der Geschichte. Nur 20 Minuten, aber eine starke Wirkung, die mich in den Abend begleitete.


Beweglich und bewegend:
Reise zum Mittelpunkt der Perspektive / Muthesius Kunstschule Kiel, Prof. Dr. Ludwig Fromme mit Student/innen
Große Bühne, zahlreiche Mitwirkende, viel Technik, mehr Multimedia als herkömmliches Papiertheater- aber was ist beim heutigen Papiertheater schon herkömmlich? Ein Kind sucht seine Perspektive. In einer Welt, die scheinbar weiß, was sie will, vor allem: was alle zu wollen haben. Manipulation statt Wertevermittlung, e- Book statt Schmökern; es ist schwer, sich zurechtzufinden, nicht nur für einen kleinen Jungen. Zu den Computer gesteuerten Bildern und Tönen sprechen die Spieler größtenteils live, zum Teil akustisch verfremdet. Ein Semesterprojekt ohne Längen und akademischen Anstrich.


Leben und Sterben des armen Romeo
oder Trauerzug mit Starparade
von Norbert Neumann

Compagnie Papierthéâtre mit Romeo and Juliet

Er war Schauspieler, Bühnenbildner,  Kostüm- entwerfer, Regisseur,   Stückeschreiber, Holz- schneider und  d e r  Theaterreformator des   
beginnenden 20. Jh. Er arbeitete in seiner Heimat London, in  Deutschland, Russland, Frankreich und anderswo mit den bedeutendsten   Theater- leute zusammen.
Aber als Edward Gordon Craig 1966 im Alter von 94 Jahren starb,  schrieb DIE ZEIT in ihrem Nachruf: "Aber zur Vergangenheit wird,  (zur Recht oder zu Unrecht) zuweilen auch gezählt, - wer einmal  Geschichte gemacht hat: Der jungen Generation ist Craig kaum mehr ein  Begriff."
Doch nach Jahrzehnten bietet ihm das Papier- theater, das er einst  selbst sammelte, die pappenen Bretter für ein bescheidenes Comeback.
Bescheiden...? Unter alten Papiertheater-Hasen war Alain Lecquc immer  für eine Überraschung gut. Diesmal präsentiert sich seine  französische Compagnie Papierthéâtre scheinbar traditionell: Die Bühne, Kopie eines alten englischen Proszeniums, flankiert von der historischen Häuserzeile der Londoner Drury Lane. Hinter denen hervor holen Narguess Majd, Alains großartige iranische Partnerin, und Alain   
als vergrößerte Figuren Shakespeare, andere Stückeschreiber und weitere Theaterleute und - Romeo und Juliet, die unverkennbar die   
Züge des jungen schwarzbärtigen Alain und der charmanten Narguess tragen. Alle gekleidet nach der Mode von 1917, als Craig diese Shakespeare- Parodie schrieb.
Auf der Bühne dann ein schmachtender Romeo- Alain unter dem Fenster der koketten doch den Geliebten immer wieder hinhaltenden Juliet-
Narguess. Als sich die Szene wendet und einen Blick in das Innere des Hauses gewährt erkennt man: Das bezaubernde Gesichtchen Juliets 
steckt auf einer - Schneiderpuppe.
Die für Romeo höchst unbefriedigende Romanze zieht sich in dieser Form über Jahre hin. Nur verliert der Liebhaber dabei eines seiner 
Gliedmaßen nach dem anderen (wohl Ausdruck der Traumata des 1. Weltkrieges), bis er zum Schluss, nur Rumpf und Kopf, im Rollstuhl   
sitzt, während Juliet mit wohlgestalten Glied- maßen und elegant gekleidet auf die Straße tritt.
So folgt sie auch dem Leichenzug des armen Romeo und mit ihr die schwarzen Gestalten aus Craigs Holzschnitten. Den Abschluss bildet   
(und das bei Alain, dessen Produktionen die Papiertheater-Puristen stets mit der bohrenden Frage begleitet haben: Ist das noch Papier- theater?) die fröhlich bunte Starparade der heutigen Papiertheater-Prominenz.  

PS: Großartig, Alain und Narguess! Nur den Ruhm, als erste den EGC fürs Papiertheater entdeckt zu haben, muss ich euch streitig machen. 
Bereits anfangs des neuen Jahrtausends hat Robert Poulter den Edward Gordon als altklugen kleinen Burschen in seiner papiertheatralischen   
Irving-Biographie "Tis I" auftreten lassen. Und in PapierTheater Nr. 27, Seite 23, haben wir das Gemälde abgedruckt, das Craig als  Hamlet darstellt.
"Romeo and Juliet" aber ist ein sprühender Beweis für die lebendige Wechselwirkung zwischen Theatergeschichte und Papiertheater. D. O.

blick hinter die Kulissen

Papiertheater

Welttheater im Kleinformat
Ein Tischtheater-Versuch in Mittelsachsen

von Dr. Roland Dreßler

Der folgende Beitrag stammt aus dem Jahr 2007. Er war damals in den Wirren um unsere Zeitschrift und Zeitung von der Redaktion vermarmelt worden, ist aber heute um nichts weniger interessant. Dankenswerterweise hat der Autor, Herr Dr. Roland Dreßler, seinerzeit Chefdramaturg am Mittelsächsischen Theater, ihn für uns aktualisiert. Wir danken ebenso seinem Nachfolger, Herrn Dr. Christoph Nieder, für die zur Verfügung gestellten Fotos der Papiertheater-Inszenierungen der "Zauberflöte" (2006/7) und des "Freischütz" (2007/8): Beide Inszenierungen waren mit Schauspielern aus dem Ensemble besetzt (Regie: Karl H. Gündel), die zu der eingespielten Musik die Puppen führten, Dialoge sprachen und sich teilweise auch "als Menschen" einmischten:  (Proben-)Fotos der "Zauberflöte" mit Susanna Voß und Thomas Meyer, des "Freischütz" mit Julia Klawonn und Andreas Pannach.

Die gute Nachricht: Schauspieler des Mittelsächsischen Theaters, das zwischen Leipzig und Dresden zu Hause ist, reanimieren ein Stück fast vergessener Theaterkultur. Die schlechte Nachricht: Der Versuch ist in künstlerischer Hinsicht gelungen, in marktwirtschaftlicher jedoch gescheitert. Die Rede ist von zwei Inszenierungen des Papiertheaters auf den (Studio-)Bühnen in Freiberg und Döbeln. Ein kundiger und im Papiertheater erprobter Regisseur fand einen aufgeschlossenen Intendanten und bald auch wagemutige Schauspieler, die bisher noch keine Erfahrungen auf und mit der Miniatur-Szene hatten. Doch neugierig waren sie auf die Kunst, im Kleinen das Große zu spiegeln und zu gestalten. Auf dem Spielplan 2006/2007 standen Mozarts "Zauberflöte" , in der folgenden Saison dann  Carl Maria von Webers "Freischütz".

Die altehrwürdige Guckkastenbühne maß in Breite und Höhe nicht mehr als siebzig Zentimeter. Auf ihr stellten die beiden "Menschendarsteller"  Mozarts Oper von der "Zauberflöte" dar. Besser: Sie ließen darstellen, und zwar durch kleine Figuren, die auf Löffeln befestigt sind und von der Seite - gewissermaßen aus der Kulissengasse heraus - von den Darstellern bewegt werden. Dazu wurde eine Tonaufnahme mit den markantesten Arien und Ensembles der "Zauberflöte" eingespielt, und die beiden Schauspieler sprachen Emanuel Schikaneders Dialoge. In eben dieser Weise dann auch Webers romantische Oper, mit Lichteffekten, einem Donnerblech und konservierten Weltklasse-Sängerstimmen ...
Die Aufführung lud die Zuschauer zu einer Zeitreise in die Ära des Biedermeier ein.

Tischtheater solcher Art waren in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts in vielen bürgerlichen Salons zu finden. Es war jene Zeit, in der sich das deutsche Bürgertum nach den fehlgeschlagenen Hoffnungen der Befreiungskriege in Familie und Häuslichkeit zurückzog. Im Salon entwickelte sich eine eigene Gesprächskultur und Geselligkeit, die oft von hoher Bildung und künstlerischen Neigungen getragen war. Sie schloß mit großem Interesse das zeitgenössische Theaterleben ein.

Das Kulturbürgertum jener Jahrzehnte war geradezu von Theatromanie besessen. Was Wunder, dass viele Zuschauer ihr Theatererlebnis dann zu Hause im eigenen, wenn auch sehr kleinen Theater nachspielen wollten. Es war  Vergnügen und aktiver Kunstgenuß in einem, zunächst vor allem für das erwachsenen Publikum. Auch wenn der Gedanke heute naheliegt: Die Aufführungen im Tischtheater waren überwiegend keine Parodie zur großen Bühne, kein humorvolles Nachspiel eines großen Klassikers. Dieses Theater nahm sich selbst ganz ernst. Wenn die Tochter am Klavier Mozarts "Don Giovanni" intonierte, Vater und Mutter die Arien dazu sagen, dann schauten Freunde und Verwandte durchaus gebannt, in sittlichem Ernst und emotional bewegt auf die häusliche Bühne. Sie war oftmals eine perfekte, maßstabsgerechte Kopie, die Dekorationsteile meist prächtiger und zahlreicher als jene im Stadttheater nebenan. Solche verkleinerten Theaternachbauten hatte es auch schon im 18. Jahrhundert gegeben. Jedoch begünstige die Erfindung der lithografischen Drucktechnik ihre Ausbreitung. Stimmungsvolle Bühnenbilder - Prospekte und Kulissen -  wurden jetzt auf Papier gedruckt, dann ausgeschnitten und auf Pappe oder Holz geklebt. In den Bühnenrahmen konnten mehrere Kulissen gehängt werden, die wechselnde Orte bedeuteten. Eine ganze Zahl europäischer Verlage bot die papierne Ausstattung zu den damals gängigen Stücken an. Das waren sowohl Werke aus der Abteilung Oper als auch klassisches Schauspiel oder Komödie. Die Druckanstalten waren erfindungsreich - ihre Spielräume waren oftmals prächtiger, farbenfroher, detailgenauer gemalt als es sich nebenan das "richtige" Stadttheater leisten konnte.

Zum Verkauf angeboten wurden Papierbogen zum Ausschneiden für ein Proscenium, dazu der mit einer allegorischen Darstellung ausgeschmückte Hauptvorhang, Sofitten, die den "Bühnenhimmel" nach oben abschlossen, schließlich bewegliche Versatzstücke, die als Bäume oder Möbel den Spielraum belebten, und vor allem Kulissen, die mehrere Gassen bildeten. Sie gaben der Szene die Illusion von räumlicher Tiefe. Damit konnte die sogenannte "französische (höfische) Bühne" nachgebaut werden. Sie war noch immer das im 19. Jahrhundert nur selten erreichte Muster für die deutschen Stadttheater. So konnte auf dem Tisch im Salon ein Papiertheater errichtet werden, das auch das anspruchsvollste Schaubedürfnis befriedigte - nur leider eben ein Theater en miniature. Und der Szenenwechsel mag sich auf dem Tisch rascher und leiser vollzogen haben als auf der großen Bühne, wo die Schauplätze nur mit viel Aufwand, Lärm und technischem Personal wechseln konnten. Es ist wohl kein Zufall, dass einer der bedeutendsten Bühnenbildner der Biedermeier-Theaterzeit, der an der Wiener Hofoper engagierte Theodor Jachimowicz, zugleich für einen großen Papiertheater-Verlag viele Dekorationen entwarf.

Auf anderen Bogen wurde zum jeweiligen Stück das passende Figurenensemble gleich mitgliefert. Auch sie, die Wallensteins, Fidelios, Julias, Freischützen und Tells, konnten ausgeschnitten, aufgeklebt und zweidimensional in der dreidimensionale Bühne aufgestellt werden. Diese Figuren waren noch unbeweglich, meist im Verhältnis zur Dekoration übergroß. Bewegt wurden sie entweder von der Seite, wie im Falle der Döbelner "Zauberflöte",  oder sie wurden durch einen Draht von oben im Raume verstellt. Sie waren in einer für sie typischen Körperhaltung, mit ausdrucksvoller Mimik festgehalten. Da griff der Ritter gerade zum Schwert, und nach einer Stunde hatte er es noch immer nicht aus der Scheide gezogen.



Und das schöne Fräulein war in abweisender Geste gebannt und blieb es bis zum Schluß der Aufführung, was auch immer im Laufe der Handlung passierte. Dieses Erstarrung  in einer "dramatischen" Pose erscheint unserem heutigen Theaterverständnis eher lächerlich. Hätte man nicht, könnten wir fragen, die Figuren mehrfach und in variablen Verhaltensweisen drucken können? Dass solche Wechsel-Figuren nicht vorgefertigt wurden, weist darauf hin, wie "eindimensional", auf eine "typische" Ausdrucksweise festgelegt, die meisten Darsteller seinerzeit ihre Figuren auffassten. Auch in dieser Hinsicht ist das Papiertheater ein Spiegel seines großen Vor-Bildes.



Zu den kolorierten Bühnenbild- und Figurenbogen gab es dann auch die passenden Stücktexte, doch auch sie auf das Tischtheaterformat geschrumpft - sowohl in ihrer Länge als auch im sprachlichen oder musikalischen Anspruch. So produzierte der Leipziger Verlag Schmidt & Römer mit dem Proscenium "Thalia" auch Texthefte, von denen sich einige in der Dresdner Puppentheater- sammlung erhalten haben. Die Titel dieser beigefügten Werke lesen sich zwar wie die Bestenliste der Weltdramatik; jedoch wurden Shakespeares, Schillers oder Richard Wagners Werke damals schon auf der Menschentheater- Bühne erheblich reduziert, um so mehr dann in der Fassung für den Hausgebrauch.In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts veränderte sich die Spielbühne für Erwachsene zum Spielzeug für Kinder. Dafür gab es zwei Gründe: Zum einen entstanden in vielen deutschen Städten neue Theaterhäuser. Die meisten waren großzügiger gebaut, technisch besser ausgerüstet, innenarchitektonisch reicher ausgeschmückt als die überkommenen Theatersäle. Diese modernen Bühnen hatten kaum noch Ähnlichkeit mit jenen kleinen Modellen, wie es auf den Tisch gestellt werden konnte. Zum anderen wurden Kinder nun nicht mehr so selbstverständlich in die Welt der Erwachsenen integriert, wie es überkommender Brauch war. Immer nachdrücklicher wird im Laufe des 19. Jahrhunderts eine eigenständige Welt der Kinder gedacht und gestaltet. Folgerichtig gibt es nun auch im Stadttheater Aufführungen, die für ein Kinderpublikum bestimmt sind.

In diese Entwicklung fügte sich das Tischtheater bestens ein. Es war geradezu der ideale "Hauslehrer" -  jedenfalls für jene gutsituierten Familien, die sich dieses Spielzeug leisten konnten. Seine Anfertigung förderte handwerkliches Geschick, und die Einstudierungen machten auf spielerischem Wege mit großer Literatur bekannt. Mehr noch: Deren Ethik konnte und sollte auch die kindlichen Figuren-Führer anstecken. (Diese Hoffnung hatte ja schon das Schultheater des 18. Jahrhunderts - gerade im sächsischen Raume - bestimmt.) Die Kinder, denen nun das Tischtheater überlassen wurde, bekamen mit den Papierbogen auch die entsprechenden Textbücher. Allerdings wurden die Stücke von allen Handlungselementen "gereinigt", die die jungen Spieler hätten "unsittlich" beeinflussen können. Die Grenzen des Anstandes: Da wird in Schillers "Die Räuber" am Ende  die Bande zur Leibwache des Grafen von Moor!
Mit dem zwanzigsten Jahrhundert kam das Ende des Papiertheaters. Es hatte sich pädagogisch und ästhetisch überlebt. Auch wenn in manchen Kinderzimmern weiterhin noch Tischtheater am Leben erhalten blieben, ihre große Zeit war vorbei. Sie stehen nun als historische Rarität in den einschlägigen Museen, wie im Dresdner Museum für Volkskunst, in dem einige Bühnen zu besichtigen sind.

Nun also der Versuch, im Freiberger und Döbelner Theater diese Kunstform zu neuem Leben zu erwecken. Die Zuschauer, die sich wirklich auf dieses Erlebnis en miniatur einließen, schauten auf das Tischtheater nicht nur wie auf ein entzückendes Museumsstück, sondern tatsächlich auf ein kleines Stück vom Welttheater. Ihnen bot gerade diese Beschränkung der Bühne und die strikte Konzentration, zu der sie zwingt, einen ganz eigenwilligen Reiz - das leise Kontrastprogramm zur aktuellen Event-Kultur, die mit überbordender Fülle das Publikum zu überfluten sucht. Aber zum Resumé gehört auch die gewiß nicht überraschende Einsicht, dass mit diesem kleinen Theater auf Dauer kein großes Publikum zu erobern ist. Weil selbst die vierzig, fünfzig Plätze, die vor der Papierbühne aufgestellt waren, nicht ausverkauft wurden, hat das Theater schließlich - nach einer Reihe engagierter Vorstellungen - den Versuch wieder einstellen müssen.

Semesterarbeit

„Vergessene Oasen“

von Martin Haase

Beim diesjährigen Treffen in Preetz gastierte Haases Papiertheater mit "Die Farben des Südens". Hier berichtet Martin Haase über
"Vergessene Oasen"

Simon Haase hat ein Papiertheatermagazin erstellt

In ihrer Eröffnungsrede zum diesjährigen Preetzer Papiertheatertreffen zitierte Marlis Sennewald den Titel einer Semesterarbeit, die mein Sohn Simon für sein Studienfach "Editorial Design" angefertigt hatte: "Vergessene Oasen". Diesen Begriff bezog sie natürlich auf das Papiertheater und fügte hinzu, als "Oase" könne man es tatsächlich bezeichnen, aber "vergessen" sei das Papiertheater nun wirklich nicht. Das Treffen in Preetz sei der beste Beweis dafür.

Aber was hat es nun mit den "vergessenen Oasen" auf sich? Das Institute of Design in Düsseldorf, an dem mein Sohn studiert, hatte den Studierenden zur Aufgabe gemacht, eine Publikation zu erstellen, also z.B. ein Magazin. Das Thema sollte möglichst wenig bekannt sein und außergewöhnlich obendrein, also eben eine "vergessene Oase". Für Simon lag es auf der Hand, sich unserem Familienhobby zu widmen, dem Papiertheater, und genau zu diesem Thema ein Magazin zu erstellen.

Doch wie sollte dieses Magazin aussehen? Was sollte darin stehen? Schnell wurde klar, dass es so etwas wie eine "allgemeine Einführung" in das Thema Papiertheater geben müsste. Und es sollte auch um die Menschen hinter der Bühne gehen, um ihre Vorstellungen und Ideen und darum, wie sie das Theater überhaupt lebendig werden lassen. Es müssten also Interviews geführt werden. Mit wem? Na klar, mit dem eigenen Vater und mit Peter Schauerte-Lüke, der ja hier praktisch "um die Ecke" wohnt. Und - da schlägt das Herz des angehenden Graphikers höher - es müsste möglich sein, ein Papiertheater-Stück optisch und graphisch so darzustellen und mit Texten zu versehen, dass der Leser einen lebendigen Eindruck gewinnt und eine Vorstellung bekommt von dem, was Papiertheater ist.



Das Magazin braucht auch einen Namen: "Der Vorhang" sollte es heißen, und es sollte möglichst perfekt sein, eben so, als hätte man es gerade am Kiosk gekauft. Die Titelseite zeigt einen roten Vorhang, der von einer Papiertheaterfigur geöffnet wird. Eine Überschrift verrät das Schwerpunktthema: "Der Mensch dahinter". Oben rechts ist der Verkaufspreis angegeben: "8,50 €". (Schön wär's, wenn man solch ein Magazin tatsächlich zu diesem Preis bekäme! Tatsächlich lag der Herstellungspreis von zwei Einzelexemplaren bei über 200,- €.)

Auf der ersten Seite das "Editorial": die Begrüßung des Lesers und die Einführung ins Thema: "Es ist doch nur Papier". Das illustrierte Inhaltsverzeichnis macht gleich Lust auf's Blättern und Lesen. Zunächst ein kurzer Artikel über die Geschichte des Papiertheaters. Dann folgen zwei Stücke aus "Haases Papiertheater".




Die Abenteuergeschichten "Zeppelin" und "Die Reise zum Mond" sind mit wunderschönen Szenenfotos wiedergegeben und dem kompletten Text. Ein Teil der Seiten ist auf Hochglanzpapier gedruckt, ein anderer Teil auf rauhem und mattem Papier - ein besonderer optischer Reiz, und der Unterschied ist auch mit den Händen fühlbar. Natürlich gibt es auch den Blick hinter die Kulissen und - wie schon erwähnt - die beiden Interviews mit den Spielern, mit mir und mit Peter Schauerte-Lüke (der in seiner bekannten launigen Art das Papiertheater als "Playstation des 19. Jahrhunderts" bezeichnet).

Beim Papiertheater-Treffen in Preetz hatten wir ein Exemplar dieses Magazins bei uns, das schnell die Runde machte und überall auf eine begeisterte Resonanz stieß. "Kann man das kaufen?" wurde doch häufiger gefragt, aber wir mussten allen Interessenten zunächst einmal absagen. Bis dann der Gedanke aufkam, man könne doch vielleicht eine kleine Auflage von diesem Magazin nachdrucken und dann zu einem halbwegs vertretbaren Preis verkaufen. Das erscheint uns durchaus möglich und machbar, aber was die Auflagenhöhe angeht, tappen wir noch ziemlich im Dunkeln. Es wäre schön, wenn sich Interessenten bei uns melden würden (Tel. 0 21 91 / 7 72 87).

Zum Schluss noch ein Wort zu den eingangs zitierten "Oasen": Das Papiertheater ist tatsächlich so etwas wie eine "Oase" - ein zauberhafter Ort, ein Ort der Muße und der Fantasie. Papiertheater ist wie eine leise plätschernde Quelle in einer ansonsten oft sehr lauten und hektischen Welt.

Der Vorhang

Webmaster

In eigener Sache

Rainer Sennewald hat, wie lange angekündigt, seine Webmastertätigkeit für den Internetauftritt des Vereins FORUM Papiertheater und seine Redaktionsarbeit für DAS PAPIERTHEATER aus beruflichen Gründen leider aufgeben müssen.

Er hat unsere Internetseiten und die Zeitung seit 2007 gestaltet und zu dem gemacht, was sie heute sind. Dafür danken wir ihm sehr herzlich. Verbunden bleibt er uns aber als Begleiter der Preetzer Papiertheatertreffen.

Und wir sind sehr froh, dass wir einen Nachfolger für ihn gefunden haben. Der Vorstand hat am 11.09.2010 Martin Fischer beauftragt, Rainer Sennewalds Webmasteraufgabe fortzuführen. Da er in der Szene neu ist, hier ein Foto von ihm. Seine ersten Beiträge hatte er schon für die Septemberausgabe der Zeitung geleistet.

Die Redaktion wird Uwe Warrach weiter führen, für die Herstellung der gedruckten Ausgaben steht nach wie vor Gaby John zur Verfügung.

Ausstellung

Theater-Träume aus Papier

von Uwe Warrach

So heißt die Ausstellung von Barbara und Dirk Reimers, die vom 14. März bis 30. November 2010 im Probstei Museum in Schönberg gezeigt wird. Wo?

In der Probstei, deren Geschichte 1226 beginnt und eng mit dem nahe gelegenen Benediktiner- innenkloster in Preetz verbunden ist, das bis 1867 höchste Instanz für Rechtsprechung und Verwaltung der Region war. Die Landschaft ist ein Teil der „Holsteinischen Schweiz“, einer für norddeutsche Verhältnisse hügeligen Gegend mit viel Seeblick. Den Einwohnern der Probstei sagt man nach, sie machten nicht viele Worte und seien etwas eigenwillig. Ihre „Hauptstadt“ ist Schönberg, und hier befindet sich das Probstei Museum. Ein idyllischer Flecken, fast ein kleines Dorf mit historischen Gebäuden, beherbergt es ein Heimatmuseum, das regelmäßig kulturelle Sonderausstellungen zeigt, so wie die Sammlung des Papiertheaters Pollidor.

In dem kleinen, neueren Nebengebäude sind die Schätze aus der Welt des Papiertheaters aufgestellt, gut beleuchtet und gehängt, großzügig arrangiert und mit einem Arbeitstisch speziell für Kinder ausgestattet.

Wem Papiertheater neu ist, der findet hier eine schöne, aber überschaubare Einführung, alte Hasen treffen alte Bekannte wieder. Es ist überdies eine gute Gelegenheit, die weitere Umgebung des bedeutendsten Papiertheatertreffens der Welt näher kennenzulernen, wozu man während der Festtage ja nur selten kommt.